tag:blogger.com,1999:blog-47609729353937782292024-03-13T19:27:55.390+01:00Cinecircoloil nucleo -
Alba (CN)Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.comBlogger90125tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-15056709575315775052015-09-22T09:11:00.001+02:002015-09-22T09:20:43.615+02:00Il Nucleo 2015-2016<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-k8Rn2suqrHs/VgD-s9Fq7uI/AAAAAAAAAHk/v9lOjtoZVIo/s1600/1.%2BL%2527amore%2Bbugiardo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="172" src="http://2.bp.blogspot.com/-k8Rn2suqrHs/VgD-s9Fq7uI/AAAAAAAAAHk/v9lOjtoZVIo/s320/1.%2BL%2527amore%2Bbugiardo.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Come ogni autunno, ricomincia anche quest'anno la stagione del <b><span style="color: orange;">Circolo del cinema Il Nucleo</span></b>, l’abituale stagione cinematografica estiva del <b>Comune di Alba</b> organizzata dal <b>Nucleo</b>.<br />
<br />
A partire da <b><span style="color: orange;">mercoledì 7 e giovedì 8 ottobre</span></b>, il mercoledì e il giovedì di ogni settimana, saranno proiettati 17 film tra i migliori della stagione in corso.<br />
<br />
<b><span style="color: orange;">Luogo, orari, costo della tessera</span></b><br />
Sala Ordet - Piazza Cristo Re, 1 Alba<br />
Ore 20.45.<br />
Tessera: 30 €<br />
<br />
<b><u>ECCO IL PROGRAMMA</u></b><br />
<br />
7-8 ottobre
<br />
<b><span style="color: orange;">L’AMORE BUGIARDO - GONE GIRL</span></b> di David Fincher (Usa 2014)<br />
<br />
14-15 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">LA FAMIGLIA BÉLIER</span></b> di Eric Lartigau (Fra 2014)<br />
<br />
21-22 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">WHIPLASH</span></b> di Damien Chazelle (Usa 2014)<br />
<br />
28-29 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">VIZIO DI FORMA</span></b> di Paul Thomas Anderson (Usa 2014)<br />
<br />
4-5 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">CHI È SENZA COLPA</span> </b>di Michaël R. Roskam (Usa 2014)<br />
<br />
11-12 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">VIOLETTE</span></b> di Martin Provost (Fra-Bel 2013)<br />
<br />
18-19 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">LOUISIANA - THE OTHER SIDE</span></b> di Roberto Minervini (Ita-Fra 2015)<br />
<br />
25-26 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">GEMMA BOVERY</span></b> di Anne Fontaine (id., Francia 2014)<br />
<br />
2-3 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">A SECOND CHANCE</span></b> di Susanne Bier (Dan 2014)<br />
<br />
9-10 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">LA STORIA DELLA PRINCIPESSA SPLENDENTE </span></b>di Isao Takahata (Giap 2014)<br />
<br />
16-17 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">SARÀ IL MIO TIPO?</span></b> di Lucas Belvaux (Fra 2014)<br />
<br />
13-14 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">GIOVANI SI DIVENTA</span></b> di Noah Baumbach (Usa 2014)<br />
<br />
20-21 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">FORZA MAGGIORE</span> </b>di Ruben Östlund (Sve-Nor-Dan 2014)<br />
<br />
27-28 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">VULCANO - IXCANUL </span></b>di Jayro Bustamante (Fra-Gua 2015)<br />
<br />
3-4 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">TIMBUKTU</span></b> di Abderrahmane Sissako (Fra-Mau 2014)<br />
<br />
10-11 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">FURY</span></b> di David Ayer (id., Usa 2014)<br />
<br />
17-18 febbraio<br />
<span style="color: orange;"><b>DIAMANTE NERO</b> </span>di Céline Sciamma (Fra 2014)Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-63219316332066639872015-06-12T08:53:00.001+02:002015-06-12T08:53:11.599+02:00ESTATE AL CINEMA 2015 <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-beVrvGPuanY/VXqBWMCYO0I/AAAAAAAAAHQ/NTLDdiW5D-s/s1600/1.%2BMia%2Bmadre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="http://3.bp.blogspot.com/-beVrvGPuanY/VXqBWMCYO0I/AAAAAAAAAHQ/NTLDdiW5D-s/s320/1.%2BMia%2Bmadre.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Sta per cominciare il <b><span style="color: orange;">Cinema all’Arena</span></b>, l’abituale stagione cinematografica estiva del <b>Comune di Alba</b> organizzata dal <b>Nucleo</b>. <br /><br />A partire da <b><span style="color: orange;">giovedì 25 giugno</span></b> fino al <b><span style="color: orange;">4 agosto</span></b>, il martedì e il giovedì di ogni settimana, saranno proiettati 12 film tra i migliori della stagione in corso. <br /><br /><b>LUOGO – ORARIO – COSTO DEL BIGLIETTO</b>
<br />Arena esterna del Teatro Sociale - Piazzetta Borsellino (Ingresso via Accademia).<br />Ore 21.45. Ingresso: 3,50 €
<br /><u><br />In caso di maltempo, i film non proiettati saranno ripresi la domenica successiva alla data di programmazione prevista</u>.
<br /><br /><br />giovedì 25 giugno
<br /><span style="color: orange;"><b>MIA MADRE</b></span> di Nanni Moretti (Italia 2015)<br /><br />
martedì 30 giugno<br />
<span style="color: orange;"><b>AMERICAN SNIPER</b></span> di Clint Eastwood (Usa 2015)<br /><br />
giovedì 2 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>BIRDMAN</b></span> di Alejandro González Iñárritu (Usa 2014)<br /><br />
martedì 7 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>SAMBA</b></span> di Olivier Nakache, Eric Toledano (Francia 2014)<br /><br />
giovedì 9 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>INTO THE WOODS</b></span> di Rob Marshall (Usa 2014)<br /><br />
martedì 14 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>IL RACCONTO DEI RACCONTI</b></span> di Matteo Garrone (Ita-Fra-Gb 2015)<br /><br />
giovedì 16 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>YOUTH - LA GIOVINEZZA</b></span> di Paolo Sorrentino (Ita-Fra-Svi-Gb 2015)<br /><br />
martedì 21 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>CENERENTOLA</b></span> di Kenneth Branagh (Usa-Gb 2015)<br /><br />
giovedì 23 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>MA CHE BELLA SORPRESA</b></span> di Alessandro Genovesi (Italia 2015)<br /><br />
martedì 28 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>NOI E LA GIULIA</b></span> di Edoardo Leo (Italia 2015)<br />
<br />
giovedì 30 luglio<br />
<span style="color: orange;"><b>FRENCH CONNECTION</b></span> di Cédric Jimenez (Francia 2014)<br /><br />
martedì 4 agosto<br />
<span style="color: orange;"><b>MAD MAX: FURY ROAD</b></span> di George Miller (Aus-Usa 2015)
Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-68708974431384948832014-09-30T09:28:00.003+02:002014-09-30T09:28:54.152+02:00Il Nucleo 2014-2015<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-e0CGZQSlMt4/VCpZZ53C0FI/AAAAAAAAAGw/elXcYtRsUEs/s1600/1.%2BLe%2Bmeraviglie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-e0CGZQSlMt4/VCpZZ53C0FI/AAAAAAAAAGw/elXcYtRsUEs/s1600/1.%2BLe%2Bmeraviglie.jpg" height="213" width="320" /></a></div>
<br />
Ed eccoci qui come ogni anno con la nuova stagione del <span style="color: orange;">Circolo del cinema Il Nucleo</span>. <br />
<br />
La <span style="color: orange;">nuova stagione del Nucleo</span> prenderà via <b>mercoledì 1 ottobre</b> e presenterà come sempre il meglio della produzione cinematografica internazionale. Sedici film, sette paesi, premi dei maggiori festival, i futuri autori di domani, le nuove star, i grandi vecchi, l’impeccabile cinema hollywoodiano e i nuovi autori indie. Un cartellone che cerca di mettere insieme la novità, le conferme, le possibili sorprese.
<br />
<br />
Come sempre le proiezioni saranno in <span style="color: orange;">Sala Ordet</span> (Piazza Cristo Re 1, Alba) <span style="color: orange;">alle 20.45</span>.<br />
<div>
<br /></div>
1-2 ottobre
<br />
<b><span style="color: orange;">Le meraviglie</span></b> di Alice Rohrwacher (Ita-Svi-Ger 2014)
<br />
<br />
8-9 ottobre
<br />
<b><span style="color: orange;">Jersey Boys</span></b> di Clint Eastwood (Usa 2014)<br />
<br />
15-16 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">12 anni schiavo</span></b> di Steve McQueen (Usa, Gb 2013)<br />
<br />
22-23 ottobre<br />
<span style="color: orange;"><b>Le week-end</b></span> di Roger Michell (Gb, 2014)<br />
<br />
29-30 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">Nebraska</span></b> di Alexander Payne (Usa 2013)<br />
<br />
5-6 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">In grazia di Dio</span></b> di Edoardo Winspeare (Ita, 2014)<br />
<br />
12-13 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Le cose belle</span></b> di Giovanni Piperno e Agostino Ferrente (Ita 2013)<br />
<br />
19-20 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Father and Son</span></b> di Hirokazu Kore-eda (Jap 2013)<br />
<br />
26-27 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Locke</span></b> di Steven Knight (Gb 2013)<br />
<br />
3-4 dicembre<br />
<span style="color: orange;"><b>All Is Lost - Tutto è perduto</b> </span>di J.C. Chandor (Usa 2013)<br />
<br />
10-11 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">Il treno va a Mosca</span></b> di Federico Ferrone, Michele Manzolini (Ita 2013)<br />
<br />
17-18 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">We Are the Best! </span></b>di Lukas Moodysson (Sve 2013)<br />
<br />
7-8 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">C’era una volta New York </span></b>di James Gray (Usa 2013)<br />
<br />
14-15 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">Solo gli amanti sopravvivono</span></b> di Jim Jarmush (Usa 2013)<br />
<br />
21-22 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">Gabrielle - Un amore fuori dal coro</span></b> di Louise Archambault (Can 2013)<br />
<br />
28-29 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">La gelosia</span></b> di Philip Garrell (Fra 2013)<br />
<br />
4-5 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">Mud</span></b> di Jeff Nichols (Usa 2012)
<br />
<br />
ALBA - SALA ORDET - ORE 20:45<br />
TESSERA: 25 € (ingresso solo con tessera)<br />
<br />
Tessere in vendita presso:<br />
<b>Libreria La Torre</b> - Alba, Via Vittorio Emanuele 19/G<br />
<b>Libreria San Paolo </b>- Alba, Via Vittorio Emanuele 30/A<br />
<b>Videoteca Casablanca</b> - Alba, Via S. Teobaldo 5/A <br />
<b>Sala Ordet</b> - Alba, Piazza Cristo Re 1 (prima della proiezione dei film)<br />
<br />
<b><u><span style="color: orange;">Per la trama dei singoli film, clicca qui sotto<br /></span></u></b><br />
<a name='more'></a><br />
<b><span style="color: orange;">CIRCOLO DEL CINEMA IL NUCLEO 2014-2015 - I FILM</span></b><br />
<br />
1-2 ottobre
<br /><b><span style="color: orange;">Le meraviglie </span></b>di Alice Rohrwacher
(Ita-Svi-Ger 2014)<br />Vincitore del Gran premio della giuria a Cannes, Le meraviglie ha sancito la definitiva consacrazione della Rohrwacher dopo l’esordio <i>Corpo celeste</i>. In un paesino del Centro Italia, durante un’estate dei primi anni ’90, quattro sorelle, capeggiate dalla primogenita Gelsomina, vivono con la madre, il padre e la sorella di quest’ultimo in una fattoria dove si produce il miele. Il padre della stramba famiglia fricchettona è un uomo rude e orgoglioso e di fronte alla smania di crescere di Gelsomina non sa come reagire. Anche perché il mondo sta cambiando, nelle campagne arriva il turismo di massa e la tv porta nuovi sogni. Una riflessione autobiografica sull’evoluzione dell’idea di libertà nella nostra società. Con Alba Rohrwacher, sorella di Alice.
<br /><br />8-9 ottobre<br /><b><span style="color: orange;">Jersey Boys</span></b> di Clint Eastwood
(Usa 2014)<br />Quattro giovanotti che provengono dal New Jersey, sempre a contatto con la malavita italoamericana e il rischio di farne parte, si uniscono per formare quello che diventerà uno dei gruppi rock icona degli anni ’60, i Four Seasons. Con una buona dose di ironia e malinconica leggerezza, il grande Clint Eastwood realizza una commedia musicale che, tra ricostruzione storica, scontri di personalità e la classica parabola del successo che arriva a prezzo di liti e scelte dolorose, racconta come sempre un pezzo di società americana: questa volta quello dello spettacolo, dello show che va avanti a tutti i costi, oltre le ragioni individuali e le tragedie della vita. Un film minore, forse, ma un vero e proprio gioiello. <br /><br />15-16 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">12 anni schiavo</span></b> di Steve McQueen
(<i>12 Years a Slave</i>, Usa, Gb 2013)<br />Negli anni precedenti la guerra civile americana, Solomon Northup, un nero nato libero nello stato di New York, viene rapito e venduto come schiavo. Misurandosi con la più feroce crudeltà (personificata dal mercante di schiavi Edwin Epps), ma anche con gesti di inaspettata gentilezza, Solomon si sforza di sopravvivere senza perdere la dignità. Nel dodicesimo anno di schiavitù, l'incontro con un abolizionista canadese cambierà la sua vita. Steve McQueen, già autore degli apprezzati <i>Hunger</i> e <i>Shame</i>, vince l’Oscar per il Miglior film e la Miglior regia con un film potente ed elegante, che è un atto di dolore e resistenza contro ogni forma di schiavitù. Con Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender e Brad Pitt, qui anche nelle vesti di produttore.<br /><br />22-23 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">Le week-end</span></b> di Roger Michell
(Gb, 2014)<br />Nick e Meg sono una coppia inglese di ultracinquantenni: lui è professore universitario, lei insegnante di liceo. Decidono di festeggiare il loro trentesimo anniversario di matrimonio tornando per un weekend a Parigi, dove avevano trascorso la loro luna di miele. L'incontro inaspettato con un vecchio amico, Morgan, riuscirà a far capire a Nick tutto quello a cui tiene davvero nella vita, e nel suo matrimonio con Meg. Dal regista di <i>Notting Hill</i>, una nuova commedia sentimentale di strabiliante leggerezza e sensibilità, questa volta dedicata alla terza età. Gli interpreti inglesi Jim Broadbent e Lindsay Duncan regalano momenti di autentica comicità e autentico sentimento, facendosi protagonisti di un successo tra i più inattesi della stagione.<br /><br />29-30 ottobre<br />
<b><span style="color: orange;">Nebraska</span></b> di Alexander Payne
(Usa 2013)<br />Woody è un uomo un anziano che vive in Montana e ha un'unica preoccupazione: raggiungere il Nebraska, dove è convinto di dover ricevere un premio della lotteria. Preoccupato dal suo stato mentale, ma incerto se affidarsi a una casa di cura, il figlio David decide di accompagnare il padre in questo folle viaggio. Con un bianco e nero elegante, con più di un rimando al cinema americano anni ’70, Alexander Payne (<i>Sideways</i>, <i>Paradiso amaro</i>) gira un road movie nostalgico e quasi comico, che è anche un’elegia dell’America centrale, delle sue grandi pianure e della sua gente onesta e ottusa, e al tempo stesso una presa in giro. Con un grande Bruce Dern, icona della New Hollywood capace di vincere a ottant’anni il Premio per il miglior attore a Cannes.<br /><br />5-6 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">In grazia di Dio</span></b> di Edoardo Winspeare
(Ita 2014)<br />Nella Puglia colpita dalla crisi economica, con le piccole imprese a conduzione familiare costrette a chiudere, la quarantenne Adele, con la figlia diciottenne, la sorella più giovane e l’anziana madre si rifugia nella vecchia casa di campagna. Il lavoro della terra, il baratto dei prodotti, la forzata e dolorosa riscoperta di un mondo che si credeva abbandonato, costringono le quattro donne a rifarsi una nuova vita e a cercare un nuovo rapporto con la società dei consumi. Il pugliese Winspeare, con un cinema realista e simbolico, militante ma anche melodrammatico, interpreta la crisi in chiave femminile e in forma di coro tragico. E gira un film unico nel panorama del cinema italiano, presentato con successo all’ultimo Festival di Berlino.<br /><br />12-13 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Le cose belle</span></b> di Giovanni Piperno e Agostino Ferrente
(Ita 2013)<br />
Quattro vite a confronto nella Napoli di oggi: Fabio, Enzo, Adele e Silvana, ovvero quattro sguardi pieni di bellezza, tristezza, ironia, ingenuità e cinismo. Tredici anni dopo il precedente documentario Intervista a mia madre, Agostino Ferrente e Giovanni Piperno tornano a far visita agli adolescenti di allora, per incontrare due uomini e due donne trasformati dalla vita: chi sognava di fare il calciatore o la modella, chi cantava nei ristoranti o sperava di andare al conservatorio ha dovuto confrontarsi con l’inevitabile durezza della realtà. La macchina da presa attenta e rispettosa osserva e indaga, cogliendo soprattutto l’umanità dei personaggi, facendone figure universali al di là del documentario e della connotazione geografica.<br /><br />19-20 novembre<br /><b><span style="color: orange;">Father and Son</span></b> di Hirokazu Kore-eda
(<i>Soshite chichi ni naru</i>, Jap 2013)<br />Ryota Nonomiya è un benestante uomo d’affari di Tokyo. Quando scopre con la moglie che quello che crede essere suo figlio è in realtà un altro bambino, scambiato in culla al momento della nascita, entra in una profonda crisi esistenziale. Il loro figlio biologico è cresciuto in una famiglia completamente diversa da quella d’origine, e oltre al dolore per la scoperta scioccante, Ryota deve confrontarsi con un mondo che non capisce. Straordinario esempio di «cinema d’autore popolare», il film è un capolavoro di delicatezza, sospeso tra il racconto familiare alla Ozu e la durezza di un ritratto che non nasconde la fragilità del maschio di fronte ai grandi interrogativi dell’esistenza (chi siamo veramente? da dove veniamo? chi vogliamo diventare?).<br /><br />26-27 novembre<br /><b><span style="color: orange;">Locke</span></b> di Steven Knight
(Gb 2013)<br />Ivan Locke ha lavorato sodo per costruirsi la sua vita. Stanotte quella vita gli crollerà addosso. Alla vigilia della sfida più grande della sua carriera, Ivan riceve una telefonata che scatenerà una serie di eventi dagli effetti catastrofici per la sua famiglia, la sua carriera e la sua anima. Un one man film completamente costruito sul corpo e la voce del bravissimo Tom Hardy, unico protagonista di questo dramma avvincente (sì, avvincente, nonostante la presenza di un solo attore in scena), tutto giocato sulla durata di un viaggio in auto e sui legami di una vita che si sciolgono un po’ alla volta. Tra reminiscenze dell’Amleto e il meccanismo a orologeria di un thriller, un film unico nel suo genere, da vedere e soffrire con il cuore in gola.<br /><br />3-4 dicembre<br /><b><span style="color: orange;">All Is Lost - Tutto è perduto</span></b> di J.C. Chandor
(Usa 2013)<br />Ancora un one man film, questa volta ambientato in mare aperto, sulle acque dell’Oceano Indiano, dove un esperto marinaio (interpretato dall’intramontabile Robert Redford) si trova ad affrontare la forza degli elementi. Con l'equipaggiamento di navigazione e la radio fuori uso, l'uomo per sopravvivere deve far affidamento solo su un sestante, delle mappe nautiche e il suo intuito. Teso, emozionante, perfetto, un film d’altri tempi, che ricorda la sfida tra uomo e natura di un altro film con Redford (<i>Corvo rosso non avrai il mio scalpo</i>) e lascia allo spettatore un sottile senso di paura e abbandono. Con un finale sorprendente e inatteso, da confrontare con il misticismo di <i>Gravity</i>, altro faccia a faccia con forze ignote e spaventose.<br /><br />10-11 dicembre<br /><b><span style="color: orange;">Il treno va a Mosca</span></b> di Federico Ferrone, Michele Manzolini
(Ita 2013)<br />1957. Ad Alfonsine, uno dei tanti paesini della Romagna rossa distrutti dalla guerra, il barbiere comunista Sauro Ravaglia e i suoi amici sognano l’Unione Sovietica, unica terra in cui si realizza il loro ideale di pace, fratellanza e uguaglianza. Quando si presenta l’occasione di visitare Mosca, durante il Festival mondiale della gioventù socialista, il gruppetto parte: le aspettative sono altissime e tanta la voglia di portare a casa più immagini possibili di quello che sarà il viaggio della vita. Realizzato montando filmati in super8 di anziani comunisti romagnoli, un film sull’utopia e il sogno, l’inganno e la speranza. Un documentario pieno di nostalgia, ma non nostalgico, che è l’elegia di un gruppo di instancabili viaggiatori.<br /><br />17-18 dicembre<br /><b><span style="color: orange;">We Are the Best!</span></b> di Lukas Moodysson
(<i>Vi är bäst!</i>, Sve-Dan 2013)<br />Stoccolma, 1982. Bobo e Klara sono due tredicenni amiche del cuore fermamente convinte che il punk non sia morto, come ormai stabilito da tutti. Portano i capelli corti, sono vestite da ragazzacci, litigano con le compagne, e a un certo punto decidono di mettere su un gruppo punk, pur non sapendo suonare alcun strumento. Per questo chiedono aiuto alla coetanea Hedvig, che con la chitarra è bravissima, ma con la sua lunga chioma bionda è tutto tranne che punk… Ispirandosi a un graphic novel della moglie, il regista svedese Moodyson racconta le difficoltà e le esaltazioni dell’adolescenza attraverso i ritratti buffi di tre ragazzine fuori dagli schemi. Un film che parla di crescita, di amicizia, di orgoglio, e lo fa in maniera semplice e pulita.<br /><br />7-8 gennaio<br /><b><span style="color: orange;">C’era una volta New York </span></b>di James Gray
(<i>The Immigrant</i>, Usa 2013)<br />New York, 1921. Ewa e Magda Cybulski , giovani emigrate polacche, vengono separate quando i medici scoprono che la seconda è malata. Ewa si ritrova così sola per le strade di Manhattan, e nel disperato tentativo di ricongiungersi con la sorella diventa preda di affascinante ma malvagio impresario. L’arrivo di un altro uomo, più buono e sensibile, le ridona la fiducia per un futuro migliore. James Gray (<i>I padroni della notte</i>, <i>Two Lovers</i>) realizza il suo film più ambizioso e affascinante con questo melodramma che ricorda l’opera lirica nella trama e le vecchie fotografie di New York (più un omaggio al Sergio Leone di<i> C’era una volta in America</i>) nelle immagini. E Marion Cotillard, occhi sperduti e commossi da Traviata, è semplicemente perfetta.<br /><br />14-15 gennaio<br /><b><span style="color: orange;">Solo gli amanti sopravvivono </span></b>di Jim Jarmush (Usa 2013)<br />Adam è un musicista di Detroit che si nasconde dal mondo e conduce una vita notturna. Sua moglie Eve vive invece a Tangeri, ma tra i due la relazione dura da secoli: sono infatti due vampiri eleganti e bohemien, che cercano nell’isolamento e nelle tenebre la salvezza da un mondo che giudicano impazzito e volgare. Il problema per loro è incontrarsi e, una volta ritrovato l’amore quotidiano, sopravvivere. Il grande regista underground americano Jim Jarmusch gira un suo personalissimo film dell’orrore, ovviamente in chiave rock e malinconica: ne nasce una storia d’amore, ma anche l’epica tenera e ironica di due outsider, due reietti della società che succhiando sangue di qualità provano a redimire un mondo che ha dimenticato il senso della bellezza.<br /><br />21-22 gennaio<br /><b><span style="color: orange;">Gabrielle - Un amore fuori dal coro</span></b> di Louise Archambault
(<i>Gabrielle</i>, Can 2013)<br />Affetta dalla sindrome di Williams, Gabrielle è una giovane donna animata da una contagiosa gioia di vivere e con uno straordinario dono per la musica. Ha incontrato Martin, il suo ragazzo, al centro ricreativo dove cantano insieme in un coro e da allora sono inseparabili. Determinata a vivere con Martin una storia d'amore che non ha nulla di ordinario, Gabrielle dovrà affrontare molti pregiudizi e i suoi stessi limiti. Interpretato da attori non professionisti, membri di un centro di arti dello spettacolo che offre una formazione professionale in canto, danza e teatro a persone portatrici di handicap, il film è un inno alla vita e alla inesauribile energia creativa delle persone. Vincitore del Premio del pubblico al Festival di Locarno.<br /><br />28-29 gennaio<br /><b><span style="color: orange;">La gelosia</span></b> di Philip Garrell
(<i>La jalousie</i>, Fra 2013)<br />Un trentenne vive con una donna in un piccolo appartamento. L’uomo ha una figlia nata da un precedente matrimonio, ma la bambina vive con la madre, che non gli ha mai perdonato l’abbandono. L’uomo fa l’attore di teatro, non guadagna nulla, ma è innamorato della nuova compagna e non intende cambiare la sua vita… Il grande regista Philip Garrell ricostruisce la vita travagliata e un po’ ridicola di suo padre, facendolo interpretare dal figlio Louis (star del cinema d’autore francese) e sostituendo se stesso con una bambina. E nel suo tipico miscuglio di finzione e autobiografia, gira un piccolo film intimista di commovente leggerezza, dove la tragedia è stemperate dalla tenerezza del ricordo. Bellissima, come sempre, Anna Mouglalis.<br /><br />4-5 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">Mud</span></b> di Jeff Nichols
(Usa 2012)<br />Due quattordicenni che vivono sulle rive del Mississippi incontrano su un’isola Mud, un uomo in fuga da alcuni malviventi. Mud è da sempre innamorato di Juniper e vorrebbe ricongiungersi con lei, ma ha bisogno dell’aiuto dei ragazzi per tornare sulla terraferma. Per il giovane Ellis l’incontro con Mud segnerà così l’ingresso in un mondo sconosciuto. Con gli elementi tipici del racconto di formazione – protagonisti quattordicenni, l’estate, il fiume, l’uomo misterioso, la missione segreta – Jeff Nichols, qui al suo terzo film, gira un perfetto prodotto indie, riflessione sulla fragilità dell’adolescenza e la necessità di avere dei maestri, che spinge il coinvolgimento a vette di pura commozione. Con il futuro premio Oscar Matthew McConaughey.Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-6609867786987746322014-02-05T14:57:00.002+01:002014-02-05T14:57:20.144+01:00Il Cineocchio 2014<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.mistermovie.it/wp-content/uploads/2014/02/La-Vita-di-Adele-31.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.mistermovie.it/wp-content/uploads/2014/02/La-Vita-di-Adele-31.jpg" height="180" width="320" /></a></div>
<br />Ed eccoci qui come ogni anno con la nuova stagione del <span style="color: orange;">Circolo del cinema Il Cineocchio</span>. Come sempre le proiezioni saranno in Sala Ordet (Piazza Cristo Re 1, Alba), quest'anno nuovo proiettore digitale, alle 20.45.
<br />
<br />
12-13 febbraio
<br />
<b><span style="color: orange;">La vita di Adele - Capitoli 1-2</span></b> di Abdellatif Kechiche <br />
<br />
19-20 febbraio
<br />
<b><span style="color: orange;">Sacro GRA</span></b> di Gianfranco Rosi (Ita 2013)
<br />
<br />
26-27 febbraio
<br />
<b><span style="color: orange;">Gloria</span> </b>di Sebastián Lelio (Cile-Spagna 2013)
<br />
<br />
5-6 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">Anni felici</span></b> di Daniele Luchetti (Ita 2013)
<br />
<br />
12-13 marzo
<br />
<b><span style="color: orange;">Blue Jasmine</span></b> di Woody Allen (Usa 2013)
<br />
<br />
19-20 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">Venere in pelliccia</span></b> di Roman Polanski (Francia 2013)<br />
<br />
26-27 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">Stop the Pounding Heart</span> </b>di Roberto Minervini (Usa-Belgio-Italia 2013)<br />
<br />
2-3 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">La prima neve</span></b> di Andrea Segre (Italia 2013) <br />
<br />
9-10 aprile
<br />
<b><span style="color: orange;">La gabbia dorata</span></b> di Diego Quemada-Diez (Messico 2013)<br />
<br />
16-17 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">Il passato</span></b> di Asghar Farhadi (Francia-Italia 2013)<br />
<br />
23-24 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">Philomena</span></b> di Stephen Frears (Regno Unito-Usa-Francia 2013)
<br />
<br />
30 aprile - 1 maggio<br />
<b><span style="color: orange;">Lunchbox</span></b> di Ritesh Batra (India-Francia-Germania-Usa 2013)
<br />
<br />
ALBA - SALA ORDET - ORE 20:45
<br />
TESSERA: 25 € (ingresso solo con tessera)
<br />
<br />
Tessere in vendita presso:
<br />
<b>Libreria La Torre</b> - Alba, Via Vittorio Emanuele 19/G<br />
<b>Libreria San Paolo </b>- Alba, Via Vittorio Emanuele 30/A<br />
<b>Videoteca Casablanca</b> - Alba, Via S. Teobaldo 5/A
Sala Ordet - Alba, Piazza Cristo Re 1Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-47269936443547004432013-09-16T22:13:00.000+02:002013-09-16T22:17:18.836+02:00Il Nucleo 2013-2014<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.quotidiano.net/xml_spett/images/2013/5/6/gabrielgarciabernalbolero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="178" src="http://www.quotidiano.net/xml_spett/images/2013/5/6/gabrielgarciabernalbolero.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Ed eccoci qui come ogni anno con la nuova stagione del Circolo del cinema Il Nucleo.
Come sempre le proiezioni saranno in Sala Ordet (Piazza Cristo Re 1, Alba), quest'anno nuovo proiettore digitale, alle 20.45.<br />
<br />
<u>Costo della tessera: </u><b><u>30 €</u> *</b><br />
<br />
2 ottobre
<br />
<span style="color: orange;"><b>To Be or Not to Be - Vogliamo vivere</b></span> di Ernst Lubitsch (Usa 1942)<br />
<br />
9 ottobre<br />
<span style="color: orange;"><b>Il caso Kerenes</b></span> di Calin Peter Netzer (Romania 2013)<br />
<br />
16 ottobre<br />
<span style="color: orange;"><b>Lincoln</b></span> di Steven Spielberg (Usa 2012)<br />
<br />
23 ottobre<br />
<span style="color: orange;"><b>La grande bellezza</b></span> di Paolo Sorrentino (Italia 2013)<br />
<br />
30 ottobre<br />
<span style="color: orange;"><b>Qualcosa nell’aria</b></span> di Olivier Assayas (Francia 2012)<br />
<br />
6 novembre<br />
<span style="color: orange;"><b>No, i giorni dell’arcobaleno</b></span> di Pablo Larraín (Cile 2012)<br />
<br />
13 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Re delle terra selvaggia</span></b> di Benh Zeitlin (Usa 2012)<br />
<br />
20 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">La città ideale</span></b> di Luigi Lo Cascio (Italia 2013)<br />
<br />
27 novembre<br />
<b><span style="color: orange;">Zero Dark Thirty</span></b> di Katherine Bigelow (Usa 2012)<br />
<br />
4 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">L’ultimo pastore</span></b> di Marco Bonfanti (Italia 2012)<br />
<br />
11 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">La scelta di Barbara</span></b> di Christian Petzold (Germania 2012)<br />
<br />
18 dicembre<br />
<b><span style="color: orange;">Quando meno te lo aspetti</span></b> di Agnès Jaoui (Francia 2013)<br />
<br />
8 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">To the Wonder</span></b> di Terrence Malick (Usa 2012) <br />
<br />
15 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">Royal Affair</span></b> di Nikolaj Arcel (Dan-Sve-Rep Ceca, 2012)<br />
<br />
22 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">Salvo</span></b> di Fabio Grassadonia, Antonio Piazza (Italia 2013) <br />
<br />
29 gennaio<br />
<b><span style="color: orange;">Stoker</span></b> di Park Chan-wook (Usa-Gb 2013)<br />
<br />
5 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">Foxfire - Ragazze cattive</span></b> di Laurent Cantet (Francia 2012)<br />
<br />
_______________________________________________________________<br />
<br />
* Tessere in vendita presso:
<br />
<b>Libreria La Torre</b>: Via Vittorio Emanuele 19 (galleria della Maddalena), Alba
<br />
<b>Libreria San Paolo</b>: via Vittorio Emanuele 30/A, Alba<br />
<b>Videoteca Casablanca</b>: via S. Teobaldo 5/A, Alba
<br />
Sala Ordet: Piazza Cristo Re 1, Alba (prima delle proiezioni delle settimane iniziali)<br />
<br />
Proiezioni il mercoledì e il giovedì di ogni settimana.<br />
<br />
<b><u>Per conoscere il contenuto dei film clicca sulla scritta qui sotto.</u></b><br />
<u><b></b></u><br />
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<!--StartFragment-->
<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">2
ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;"><b>To Be or Not to Be - Vogliamo vivere</b></span>
(<i>To Be or Not to Be</i>, Usa 1942, 99’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Ernst Lubitsch<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Il film dell’anno è… un
film del 1942. Il capolavoro di Ernst Lubitsch <i>Vogliamo vivere</i> è tornato in una versione restaurata e ha riscosso
un grande successo. La commedia, una delle vette della Hollywood classica, racconta
le vicende tragicomiche di una compagnia teatrale di Varsavia durante
l’occupazione nazista della Polonia: coinvolti nella resistenza, i teatranti –
tra cui la vedette Carolle Lombard e il marito Jack Benny – mettono in scena
una farsa per ingannare la Gestapo. Tedesco emigrato a Hollywood, Lubtisch era
un oppositore di Hitler e nel pieno della guerra ideò con il suo inconfondibile
«tocco» quella che, insieme a <i>Il grande
dittatore </i>di Chaplin, è la più divertente presa per i fondelli del nazismo.
Da rivedere e riscoprire.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">9
ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;"><b>Il caso Kerenes</b></span>
(<i>Pozitia copilului</i>, Romania 2013,
112’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Calin Peter Netzer<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Cornelia,
architetto sessantenne e benestante, vede il proprio mondo crollare la sera in
cui il figlio trentenne Barbu investe e uccide con il Suv un ragazzino di
origine rom. Madre apprensiva e possessiva, la donna farà di tutto per tirare
fuori dai guai il figlio «bamboccione» e viziato, senza accorgersi però di
allontanarlo sempre più dalle sue braccia. Impietoso ritratto della borghesia
rumena, il film è anche un ritratto folgorante dei rapporti di potere nei
legami personali e sociali, con al centro un personaggio femminile
indimenticabile, colma di affetto ma vittima della sua arroganza. Il vincitore
dell’Orso d’oro all’ultimo festival di Berlino conferma il cinema rumeno come
una delle realtà più vive e complesse del panorama europeo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">16
ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">Lincoln</span><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Usa 2012, 150’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Steven Spielberg<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">1865.
Mentre è ancora in corso la Guerra civile tra Nord e Sud, il sedicesimo
presidente degli Stati Uniti Abraham Lincoln porta avanti la sua battaglia per
l’abolizione della schiavitù. Le infinite discussioni sul tredicesimo
emendamento della costituzione americana si susseguono negli interni della Casa
Bianca e del Senato e l’opposizione tra repubblicani e democratici ravviva il
dibattito di allora sulla libertà e la solidarietà con il riflesso dei
conflitti dell’America di Obama. Grazie soprattutto a un Daniel Day Lewis
strepitoso, giustamente premiato con l’Oscar, Spielberg realizza il suo film
più politico e complesso, grande lezione di stile e lucidità intellettuale.
Ottimo il cast di contorno, con Sally Field e soprattutto Tommy Lee Jones. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">23
ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">La grande bellezza<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(Italia
2013, 142’)<b><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Paolo Sorrentino<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Gep Gambardella ha
settant’anni, è ricco, vive in un attico nel centro di Roma e dopo aver scritto
un solo romanzo è diventato giornalista di costume. Si sente un fallito, ma da
anni è il cantore indiscusso del Belmondo della capitale, osservatore e al
tempo stesso protagonista di un mondo vacuo e annoiato, fatto di feste volgari,
vip nullafacenti, intellettuali vacui, artisti falliti, arcivescovi snob, ricconi
depressi, freak divertenti e altri inquietanti. Sorrentino guarda alla <i>Dolce vita </i>di Fellini e gira il suo film
più controverso e onesto, come sempre illuminato da uno stile virtuosistico e
magniloquente. Grande cast, guidato da Toni Servillo e impreziosito da Carlo
Verdone, Sabrina Ferilli, Galatea Ranzi, Pamela Villoresi, Massimo Popolizio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">30
ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Qualcosa nell’aria<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Après mai</i>, Francia 2012, 122’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Olivier Assayas<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Parigi,
inizio anni ’70. Studente del liceo, Giles viene coinvolto nei tumulti politici
e nei fermenti culturali della stagione: tra discussioni teoriche e azioni
pratiche e violente, sogni cinefili e amori che se ne vanno e altri che
arrivano; tra letture «eretiche» e viaggi in Italia, compagni che sbagliano e
altri che mollano, Gilles comprenderà la sua natura artistica e si dedicherà
prima alla pittura e poi all’apprendistato nel mondo del cinema. Il regista
francese Olivier Assaya fa i conti con il suo passato nella sinistra
extraparlamentare e gira un film che guarda senza rabbia o nostalgia, e con la
giusta distanza, agli anni ancora oggi cruciali della contestazione, della
sbornia marxista e leninista, del privato è politico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">6
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;"><b>No, i giorni dell’arcobaleno</b></span>
(<i>No</i>, Cile 2012, 110’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Pablo Larraín<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Dopo <i>Tony Manero </i>e <i>Post mortem</i>,
dedicati agli anni di Pinochet, il regista cileno Larraín chiude la trilogia
sulla storia del suo Paese raccontando la fine della dittatura: il film
racconta infatti la vittoria del fronte del No al referendum che lo stesso
Pinochet indisse nel 1988. Recuperando le videocamere dell’epoca, fondendo veri
spot con immagini ricostruite, Larraín si concentra sulla strategia
comunicativa che portò alla vittoria dei progressisti, fondata sulla creazione
di un’immagina positiva e ottimista nonostante i quindici anni di dittatura. Il
risultato è un film che manda in cortocircuito la Storia e, in luce della
moderna evoluzione della politica in spettacolo, trasforma la pubblicità in
strumento di interpretazione del mondo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">13
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Re delle terra selvaggia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Beasts of Southern Wild</i>, Usa 2012, 92’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Benh Zeitlin<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Hushpuppy
è una bambina di sei anni che vive nella Bathtub, la «tinozza», una zona
paludosa nel selvaggio sud degli Stati Uniti. Educata dal padre come se fosse
un ragazzino, costretta a cavarsela quasi sempre da sola, la piccola Hushpuppy
affronterà la malattia del genitore, un misterioso innalzamento delle
temperature, l’innalzamento delle acque e un’invasione di giganteschi animali
preistorici, prima di poter dire di essere veramente cresciuta. Il trionfatore
del Sundance e del Certain regard di Cannes 2012 è un’opera prima di pura
meraviglia, un inno al realismo magico che il giovane Benh Zeitlin gestisce con
talento da vendere e sfruttando al meglio la bravura di un’attrice bambina,
Quvenzhané Wallis, giustamente candidata all’Oscar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">20
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">La città ideale<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(Italia
2013, 105’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Luigi Lo Cascio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Michele
Grassadonia è un architetto ecologista di Palermo che ha lasciato la sua città
e si è trasferito a Siena per vivere secondo un nuovo stile di decrescita,
senza acqua corrente ed energia elettrica. Una notte, però, Michele rimane suo
malgrado coinvolto in una serie di eventi che lo proietteranno in incubo
kafkiano di giudici dalla logica ferrea e avvocati spietati. Per il suo esordio
alla regia l’attore Luigi Lo Cascio sceglie con coraggio una storia surreale
che riflette su temi complessi, come il rapporto fra ordine e disordine,
perseguimento degli ideali e inevitabile senso della realtà. Ad aiutarlo, in
una prova convincente e dalle atmosfere inquietanti, grandi e fidati attori di
teatro come Alfonso Santagata e Luigi Maria Burruano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">27
novembre <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Zero Dark Thirty<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Usa 2012, 157’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Katherine Bigelow<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Ispirata
a racconti di testimoni e documenti autentici, la storia della lunga caccia della
CIA a Osama Bim Laden, dall’11 settembre 2001 fino all’operazione militare in
Pakistan che il 2 maggio 2011 ha portato alla sua uccisione. Attraverso gli
occhi di Maya, agente donna specializzata nella cattura di terroristi (una
splendida Jessica Chastain), Katherine Bigelow racconta un decennio di politica
americana mettendo in luce tutti gli aspetti ambigui e incerti (le torture, le
uccisioni sommarie, gli errori) delle amministrazioni Bush e Obama. E dopo gli
Oscar per <i>Hurt Locker </i>(2009),
dedicato alla guerra in Iraq, conferma di essere una delle voci più potenti e –
viste le polemiche suscitate dal film – scomode del cinema hollywoodiano
contemporaneo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">4
dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>L’ultimo pastore</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(Italia
2012, 76’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Marco Bonfanti<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Renato
Zucchelli è un personaggio unico: proveniente da una famiglia normale, ha
scelto la via della pastorizia ed è diventato l’ultimo pastore di Milano.
Diviso tra gli alpeggi e le strade della metropoli, Renato dimostra come la
presunta «normalità» sia figlia di uno stravolgimento delle nostre radici e dei
nostri bisogni e realizza il sogno di portare un gregge di pecore in piazza del
Duomo, appropriandosi così di uno spazio ormai disumanizzato. Documentario
poetico su un pastore metropolitano, il film racconta le gesta di un Don Chisciotte
dei nostri giorni fra i palazzi, le macchine e le incomprensioni del progresso.
Una fiaba contemporanea, a metà tra il cartoon e il musical, che offre uno
sguardo leggero sui limiti della società industrializzata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">11
dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>La scelta di Barbara</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Barbara</i>, Germania 2012, 105’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Christian Petzold<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Germania
dell’est, 1980. Barbara è una dottoressa trasferita per motivi disciplinari
nell’ospedale di una piccola città di provincia. In attesa di fuggire all’ovest
grazie al compagno Jörg, impegnato in continui traffici con l’estero, la donna
svolge con cautela le sue mansioni quotidiane, sorvegliata dalla Stasi,
impegnata a gestire il rapporto con un collega che la corteggia e decisa ad
aiutare una ragazza incinta fuggita da un campo di rieducazione. Splendido
esempio di cinema classico dei giorni nostri, <i>La scelta di Barbara </i>è un melodramma misurato e commovente, una
storia di resistenza individuale alla violenza del Potere che trova
nell’attrice tedesca Nina Hoss un’interprete autentica e sofferta. Orso d’argento
al Festival di Berlino 2012.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">18
dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Quando meno te lo aspetti<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Au bout du conte</i>, Francia 2013, 112’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Agnès Jaoui<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Una
serie di personaggi incrocia i rispettivi destini a Parigi: la giovane Laura
incontra nel giro di pochi giorni l’uomo dei suoi sogni, prima con le fattezze
del musicista Sandro, poi con quelle dell’amico Maxime; Pierre, papà di Sandro,
rivede una vecchia amica che gli ha predetto la data di morte ed entra in crisi
con la compagna Eleonor;, mentre lo stesso Maxime, e in più Eleonore, Marianne,
Jaqueline hanno le loro belle gatte da pelare… Dopo <i>Il gusto degli altri </i>e <i>Così
fan tutti</i>, la coppia francese della commedia, l’attrice e regista Agnès
Jaoui e l’attore e sceneggiatore Jean-Pierre Bacri, creano la loro nuova
girandola di amori e sentimenti con lo humour e la raffinatezza che li
contraddistinguono. Uno dei successi a sorpresa della stagione.<br />
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">8
gennaio <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>To the Wonder</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Terrence Malick, Usa 2012, 112’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">L’amore
tra l’americano Neil e l’ucraina Marina, sbocciato a Mont St. Michel, viene
messo alla prova dal trasferimento della coppia in Oklahoma, nella profonda
provincia americana. La vita scorre tranquilla per alcuni mesi, ma presto
l’uomo e la donna scoprono di non essere appagati dalla relazione e si
separano. Reduce dal complesso <i>The Tree
of Life</i>, Malick gira a sorpresa un nuovo film – lui che ne aveva realizzati
quattro in 40 anni – e prosegue la sua ricerca visiva e poetica sul senso della
vita e il legame fra uomo e natura. Attorniato come sempre da star – Ben Affleck,
Olga Kurylenko, Rachel McAdams, Javier Bardem – Malick tenta la via di un
cinema sperimentale e religioso, sempre affascinante, talvolta a rischio di
maniera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">15
gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>Royal Affair</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>En Kœngelig affære</i>, Dan-Sve-Rep Ceca,
2012, 137’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Nikolaj Arcel<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Danimarca
1770. La vita sconsolata della regina Caroline Mathilda, sposata con il folle
Christian II, cambia improvvisamente quando il medico Johan Struensee viene
nominato consigliere di corte. Grazie alla sua influenza, l’uomo convince la
corona danese a varare una serie di rivoluzionare riforme progressiste: ma non
potendo resistere all’amore che lo lega alla regina subirà la vendetta delle
forze oscurantiste. Un elegante e avvincente dramma in costume che racconta
un’impossibile trama romantica e lo scontro drammatico tra le pulsioni del
cuore e della ragion di stato. Lontano dallo stile televisivo di una qualsiasi
fiction italiana, una lezione di stile e recitazione, grazie soprattutto al
fascino magnetico della star danese Mads Mikkelsen.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">22
gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">Salvo</span><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(Italia
2013, 104’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Fabio Grassadonia, Antonio Piazza<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Salvo,
killer della mafia a Palermo, uccide un traditore davanti alla sorella Rita. La
ragazza è cieca dalla nascita, ma mentre Salvo sta per colpire anche lei,
qualcosa di inspiegabile fra loro succede. L’assassino e l’innocente instaurano
loro malgrado un legame impossibile da sciogliere, vivendo fino alla tragica
conclusione il loro amore impossibile. All’esordio nella regia, gli
sceneggiatori Grassadonia e Piazza conquistano la Semaine de la critique di
Cannes con un noir carico di simbologie religiose e citazioni al cinema di
Melville. Grazie alla fotografia di Daniele Ciprì – e alla partecipazione
straordinaria di Luigi Lo Cascio – il film è anche un ritratto non banale di
Palermo, città cupa e grottesca tra colori africani e suggestioni western.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">29
gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">Stoker</span><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Usa-Gb 2013, 99’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Park Chan-wook<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Alla
morte del padre, India Stoker, adolescente solitaria e problematica, si ritrova
a vivere con l’odiata madre in una grande villa vittoriana. L’arrivo dello zio
Charlie, di cui non sapeva l’esistenza, risveglia nella ragazza sentimenti
sopiti e la coinvolge in una pericolosa relazione morbosa. All’esordio nel
cinema hollywoodiano, il coreano Park, regista del celebre <i>Old Boy</i>, sceglie un thriller gotico che rimanda in modo evidente ad
Hitchcock, a suggestioni, più che citazioni, da <i>L’ombra del dubbio</i>, <i>L’altro
uomo</i>, <i>Frenzy </i>e <i>Psyco</i>. E con uno stile magniloquente e
barocco riesce nell’intento di rappresentazione le pulsioni più oscure
dell’animo umano, dall’incesto al matricidio. Con la giovane star Mia
Wasikowska e una rinata Nicole Kidman.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">5
febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;"><b>Foxfire - Ragazze cattive</b></span>
(<i>Foxfire</i>, Francia 2012, 143’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Laurent Cantet <o:p></o:p></span></div>
<!--EndFragment--><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Nel 1953, in una <i>small town </i>dello Stato di New York, un
gruppo di studentesse stanche dei soprusi dei maschi e dei loro genitori formano
una banda, le Foxfire, e si rivoltano contro la società patriarcale dando prima
vita a una comune e poi, poco alla volta, a un gruppo criminale. Ma dal sogno
di libertà e condivisione nascerà la tragedia. A partire da un romanzo della
grande scrittrice americana Joyce Carol Oates, il regista francese Laurent
Cantet, reduce dalla Palma d’oro a Cannes per <i>La classe</i>, prosegue il suo racconto dell’adolescenza con il
ritratto a più voci di un gruppo di ragazze ribelli ante-litteram, che
anticipano le rivoluzioni degli anni ’60 e ridiscutono con la loro rabbia cieca
il ruolo della donna nella società occidentale.</span><span style="font-family: Garamond;"><o:p></o:p></span></div>
Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-10061268237823198452013-01-22T10:42:00.002+01:002013-01-22T10:46:18.622+01:00Il Cineocchio 2013<!--[if gte mso 9]><xml>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.minimaetmoralia.it/wp/wp-content/uploads/2012/11/amour_a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="http://www.minimaetmoralia.it/wp/wp-content/uploads/2012/11/amour_a.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: inherit;"><br />Ed eccoci qui come ogni anno con la nuova stagione del Circolo del cinema Il Cineocchio. </span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Come sempre, le proiezioni saranno <b>il mercoledì e il giovedì </b>di ogni settimana, in<b> Sala Ordet</b> (Piazza Cristo Re 1, Alba), alle<b> 20.45</b>. </span><span style="font-family: inherit;">Tessera: <b>20 €.</b></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">CIRCOLO DEL CINEMA IL CINEOCCHIO 2013</span></b><span style="font-family: inherit;"> </span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">13-14 febbraio</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Reality</span> </b>di Matteo Garrone (Italia-Francia 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">20-21 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Io & te</span> </b>di Bernardo Bertolucci (Italia 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">27-28 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange;">Amour</span></b><b style="font-family: inherit;"> </b><span style="font-family: inherit;">di
Michael Haneke (Francia-Germania-Austria 2012)</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">6-7 marzo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Bella addormentata</span></b> di Marco Bellocchio (Italia 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">13-14 marzo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Moonrise Kingdom - Una fuga d’amore</span></b> di Wes Anderson (Usa 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">20-21 marzo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">L’intervallo</span> </b>di di Leonardo Di Costanzo (Italia-Svizzera-Germania 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">27-28 marzo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Ruby Sparks</span></b>
di Jonathan Dayton, Valerie Faris (Usa 2012)</span><o:p></o:p></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">3-4 aprile<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">La bicicletta verde</span> </b>di Haifaa Al Mansour (Arabia Saudita-Germania 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">10-11 marzo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Tutti i santi giorni</span> </b>di di Paolo Virzì (Italia 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">17-18 aprile<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Oltre le colline</span> </b>di Cristian Mungiu (Romania-Francia-Belgio 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">24-25 aprile<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">La sposa promessa - Fill the Void</span> </b> di Rama Burshtein (Israele 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">1-2 maggio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Alì dagli occhi azzurri</span> </b> di Claudio Giovannesi (Italia 2012)</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<b style="font-family: inherit;">Le tessere saranno in vendita presso:</b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Libreria La Torre, Piazza Elvio Pertinace 8/D, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Libreria San Paolo, via Vittorio Emanuele 30/A, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Videoteca Casablanca, via S. Teobaldo 5/A, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Sala Ordet, Piazza Cristo Re 1, Alba (prima della proiezione)<br /><br />Per scoprire le trame dei film presentati, clicca qui sotto</span><br />
<a name='more'></a><br />
13-14 febbraio
<br />
<span style="color: orange;"><b>Reality</b></span>
(Ita-Fra 2012, 115’)
<br />
di Matteo Garrone
<br />
Gestore di un pescheria, sposato e con due figli, il napoletano Luciano per arrotondare mette in atto piccole truffe con la moglie Maria e coltiva un sogno: partecipare al Grande fratello. Il suo desiderio sembra avverarsi quando viene chiamato a Roma per un provino, ma di fronte al silenzio degli organizzatori Luciano sviluppa un’ossessione che sfocia presto in follia. Ispirandosi alla commedia all’italiana, al cinema di Fellini, Pasolini e Ferreri, al Visconti di <i>Bellissima</i> e allo Scola di <i>Brutti, sporchi e cattivi</i>, Garrone rifonda l’idea di cinema popolare raccontando il degrado culturale dell’Italia. Un film dolente e ironico, ma in realtà altrettanto politico quanto il precedente Gomorra. Grand Prix della giuria al Festival di Cannes.
<br />
<br />
20-21 febbraio
<br />
<b><span style="color: orange;">Io e te</span></b>
(Italia 2012, 97’)
<br />
di Bernardo Bertolucci
<br />
Soffocato da una madre apprensiva, l’adolescente Lorenzo, solitario e problematico, finge di partire per la settimana bianca con i compagni di scuola e si rinchiude nella cantina del suo palazzo, lasciando fuori il mondo e le sue regole. Il piano è perfetto, ma a mandarlo all’aria è l’arrivo della sorellastra Olivia, una venticinquenne estroversa che sconvolge il microcosmo di Lorenzo. A partire dall’omonimo romanzo di Ammanniti Bertolucci torna al cinema raccontando un’altra storia di reclusione e sognatori, come nei precedenti <i>L’assedio</i> e <i>The Dreamers</i>: i suoi personaggi sono ancora più sperduti e soli, ma la forza di un legame inatteso e autentico dà voce nuova anche cinema del regista emiliano, come sempre alla ricerca di freschezza e vitalità.
<br />
<br />
27 febbraio<br />
<b><span style="color: orange;">Amour</span></b> di Michael Haneke
<br />
(<i>id.</i>, Fra-Ger-Aus 2012, 127’)
<br />
Georges e Anne sono due anziani e benestanti insegnanti di Parigi. Quando un ictus colpisce Anne e mina la sua salute fisica e mentale, Georges è costretto a ridefinire i rapporti di forza all’interno della coppia e il legame con la figlia musicista. Fino a una scelta estrema e insostenibile. Haneke, già vincitore della Palma d’oro a Cannes con <i>Il nastro bianco</i>, vince per la seconda volta in pochi anni il festival più importante con il film che non ti aspetti, un’elegia sull’amore e la vecchiaia algida eppure commovente. Spoglio, anti-drammantico, e proprio per questo intenso ed emozionante, Amour è un film pressoché perfetto sulla realtà del corpo, del sentimento e della morte. Merito anche dei due interpreti principali, gli straordinari Jean-Louis Trintignant ed Emmanuelle Riva.
<br />
<br />
6-7 marzo
<br />
<b><span style="color: orange;">Bella addormentata</span></b>
<br />
(Ita-Fra 2012, 110’)
di Marco Bellocchio<br />
Sullo sfondo della vicenda di Eluana Englaro – morta per interruzione dei supporti vitali il 9 febbraio 2009, dopo quasi diciassette anni di coma vegetativo – si snodano alcune storie intrecciate: un parlamentare di centro-destra in crisi esistenziale, sua figlia Maria che si batte per la vita di Eluana, un ragazzo schierato a favore del fine-vita, un’ex attrice che accudisce una figlia anche lei in coma da anni, un medico che fa di tutto per salvare una tossica con manie suicide. Lucido, ironico e imprevedibile come sempre, Bellocchio racconta l’Italia e le sue derive morali in uno dei momenti più drammatici e assurdi della storia repubblicana. Ne nasce un film acerbo, dalla rabbia trattenuta e con un inatteso anelito di speranza.
<br />
<br />
13-14 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">Moonrise Kingdom - Una fuga d’amore</span></b>
<br />
(<i>Moonrise Kingdom</i>, Usa 2012, 94’)<br />
di Wes Anderson<br />
In un’immaginaria isola del New England, a metà anni ’60, due ragazzini mettono in atto una fuga d’amore, inseguiti da un gruppo di boy scout, da una serie di adulti in crisi e da un grande tempesta in arrivo. Wes Anderson, inconfondibile creatore di mondi ideali, popolati da personaggi gentili e depressi, segnati da particolari sempre uguali, come le inquadrature fisse, i riferimenti letterari e l’ironia da fumetto, gira il suo film più libero e sentimentale, un omaggio alla nouvelle vague che racconta con gentilezza l’amore puro di due anime innocenti. Figurativamente perfetto, ricercato, ricco di citazioni (dal muto a Bergman, alla musica sinfonica), ma anche selvaggio, pieno di freschezza e voglia di fare cinema.<br />
<br />
20-21 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">L’intervallo</span></b><br />(Ita-Svi-Ger 2012, 90’)<br />
di Leonardo Di Costanzo<br />
Salvatore e Veronica si ritrovano rinchiusi in un edificio abbandonato di Napoli: lei ha fatto uno sgarbo alla camorra e lui è costretto suo malgrado a farle da carceriere. Inizialmente distanti, con il passare delle ore si avvicinano e si confidano i reciproci sogni di adolescenti. Esordio nella finzione del documentarista Di Costanzo, presentato a Venezia, L’intervallo è un dramma intenso e minimale su due esistenze colte in un luogo e in un tempo di sospensione: vittime del sistema mafioso, Salvatore e Veronica sono i protagonisti di un favola che nasce dal degrado della società, trova improvvisi spazi di libertà e torna infine sulla Terra per scontrarsi con la durezza del quotidiano. Cinema indipendente, sincero, capace di far sognare.<br />
<br />
27-28 marzo<br />
<b><span style="color: orange;">Ruby Sparks</span></b><br /></div>
(<i>id.</i>, Usa 2012, 104’)<br />
di Jonathan Dayton, Valerie Faris<br />
Ex enfant prodige della letteratura, il giovane e talentuoso Calvin è afflitto dal blocco dello scrittore. E nemmeno la sua vita sentimentale passa un grande momento. Quasi per caso crea un personaggio femminile, Ruby Sparks, che pian piano lo fa sentire di nuovo sicuro di se stesso. Finché, un giorno, Ruby appare nel suo soggiorno… Dagli autori del celebre <i>Little Miss Sunshine</i>, interpretata da uno scatenato Paul Dano e dall’imprevedibile Zoe Kazan (nipote del grande regista Elia), una commedia acutissima sui rapporti tra i sessi, sul potere della creazione e sulla libertà nelle relazioni. Come nella miglior tradizione del cinema americano, un film di grande serietà, sotto un’esaltante patina di divertimento e leggerezza.<br />
<br />
3-4 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">La bicicletta verde</span></b><br />(<i>Wadjda</i>, Ara-Ger 2012, 97’)<br />
di Haifaa Al Mansour<br />
Riyadh, Arabia Saudita. Wadjda, bambina ribelle di dieci anni, ha un grande sogno: comprare la bicicletta verde che ha visto nella vetrina di un negozio di giocattoli. Ma alle ragazze è proibito andare in bicicletta e Wadjda deve perciò escogitare un piano per trovare il denaro necessario a comprarla. L’occasione le viene servita quando viene indetto un concorso in cui i concorrenti devono recitare alcuni capitoli del Corano… Il primo film dell’Arabia Saudita diretto da una donna è un evidente omaggio a <i>Ladri di biciclette</i> e al neorealismo: come in quel caso le due ruote assumono un valore simbolico per raccontare un mondo in costante evoluzione, attraverso la vicenda privata di una bambina cocciuta e a suo modo resistente.<br />
<br />
10-11 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">Tutti i santi giorni</span></b><br />(Italia 2012, 102’)<br />
di Paolo Virzì
<br />
Guido e Antonia hanno trent’anni, vivono alla periferia di Roma, lavorano, si amano, si divertono un mondo e hanno deciso di avere un figlio. Lui fa i turni di notte, di tempo per vedersi ce n’è poco, ma Guido e Antonio non si abbattono. Peccato che il figlio non arrivi e che la frustrazione metta in crisi il rapporto. Virzì abbandona per una volta le velleità sociologiche della sua commedia e racconta la normalissima storia d’amore di due personaggi veri e per questo irresistibili, due innamorati alla Neil Simon, buffi e impauriti dalla vita, strenuamente legati alla loro idea di felicità. E gira così il suo film meno ambizioso e autentico, innamorato com’è dei suoi eroi e dei suoi due bravissimi interpreti, Luca Marinelli e la cantautrice Tony.<br />
<br />
17-18 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">Oltre le colline</span></b><br />(<i>Dupa dealuri</i>, Rom-Fra-Bel 2011, 155’)<br />
di Cristian Mungiu<br />
Dopo anni di lontananza, le due amiche Voichita e Alina si incontrano di nuovo. La diversità delle esperienze vissute le ha molto cambiate, ma nonostante ciò una delle due, Alina, sola e disperatamente innamorata dell’amica, cerca di portarla via dal monastero in cui si è rinchiusa. Ma la forza dell’amore di un tempo non può niente contro la fede religiosa e il matrimonio con Dio a cui Voichita ha deciso di votarsi. Il rumeno Mungiu, Palma d’oro a Cannes nel 2007 con lo scioccante <i>4 mesi, 3 settimane, 2 giorni</i>, spinge oltre la sua idea di cinema morale e spirituale, raccontando una storia di scelte individuali e sentimenti sopiti che, ispirata a un fatto realmente avvenuto, si trasforma in modo sconvolgente in una sorta di film dell’orrore.<br />
<br />
24-25 aprile<br />
<b><span style="color: orange;">La sposa promessa - Fill the Void</span></b><br />(<i>Lemale et ha’chalal</i>, Israele 2012, 90’)<br />
di Rama Burshtein<br />
Tel Aviv. Shira, appartenente a una famiglia di ebrei osservanti, è promessa in sposa a un brillante studente di una scuola religiosa. Per quanto decisa dagli uomini e dalle donne della rigida comunità, la relazione tra i due sembra avviarsi verso una felice conclusione, finché un’improvvisa tragedia nella famiglia di Shira non complica la situazione. Con uno sguardo in equilibrio tra la critica sociale, l’affetto e l’ironia caustica, la regista israeliana Rama Burshtein osserva il mondo degli ebrei chassidici e vi imbastisce al suo interno una storia di resistenza individuale e volontà femminile. E mescolando lacrime e sorriso trova la via di un cinema popolare e gentile, capace di raccontare porzioni di mondo ancora inesplorate.<br />
<br />
1-2 maggio<br />
<b><span style="color: orange;">Alì dagli occhi azzurri</span></b><br />(Italia 2012, 94’)<br />
di Claudio Giovannesi<br />
Ostia, inverno. Nadar è un adolescente di origine egiziana nato in Italia. Fidanzato con una coetanea, scappa di casa perché redarguito dai genitori musulmani e si mette a bazzicare la città con l’inseparabile amico Stefano. Insieme i due saltano la scuola, compiono piccoli furti, dormono all’addiaccio e arrivano addirittura ad accoltellarle un rumeno, rischiando di cadere nella vendetta di un banda di criminali. Ispirandosi fin dal titolo a Pasolini, l’ex documentarista Giovannesi gira un film di grande potenza visiva e narrativa, un racconto spietato della giovinezza che ha in Nader un protagonista unico, simbolo delle contraddizioni di cui sono vittime i figli degli immigrati, sospesi tra ribellione, richiamo delle radici e disagio sociale.
Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-12775340651424032442012-11-06T22:27:00.000+01:002012-11-06T22:27:25.255+01:00Film della settimana - 6-7 novembre<br />
<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Un amore di gioventù </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;"><br />di</span><span style="font-size: x-large;"> Mia Hansen-Løve</span><br />
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.milanoweb.com/wp-content/uploads/2012/06/amoregioventu%CC%80.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="161" src="http://www.milanoweb.com/wp-content/uploads/2012/06/amoregioventu%CC%80.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
La quindicenne Camille e il diciannovenne Sullivan sono molto innamorati, ma dopo un felice periodo insieme lui parte per il Sudamerica. Camille è disperata e, quando lui cessa di scriverle tenta il suicidio. Anni dopo, Camille è una brillante studentessa di architettura e conosce Lorenz, un architetto con cui in seguito collabora professionalmente e con cui instaura un solido rapporto sentimentale. Tuttavia, il destino ha in serbo per la ragazza un nuovo incontro con Sullivan e i sentimenti che sembravano sopiti non tardano a riemergere.
<br />
<br />
<a name='more'></a><br /><br />
<b>Un amore di gioventù</b> è il terzo e bellissimo film della giovane regista, ex attrice, <b>Mia Hansen-Løve</b>, già autrice di<b> Tout est pardonnée</b> (che anni fa partecipò in concorso all’Alba Film Festival) e <b>Il padre dei miei figli</b>, commovente storia vera di un produttore cinematografico suicida. Compagna, e prima ancora allieva, del regista francese Olivier <b>Assayas</b>, la <b>Hansen-Løve</b> è a tutti gli effetti, vista anche la giovane età (classe 1981) uno dei nomi sicuri su cui puntare per sapere come sarà il cinema del futuro.
<br />
<br />
Il suo cinema è etereo e insieme corporeo, vicino per ispirazione e stile a tre generazioni di cinema francese, ai sentimenti fragili di <b>Eric Rohmer</b>, alla fisicità dirompente dei personaggi di <b>Andre Techiné</b>, alla foga vitalistica e appassionata del migliore dello stesso <b>Assayas</b>. Nonostante un discorso ancora acerbo, spesso eccessivamente a caccia di un lirismo astratto e impressionista, di film in film <b>Mia Hansen-Løve</b> ha delineato un percorso emotivo sui grandi momenti di passaggio della vita e sull’incontro con la sofferenza. <br />
<br />
I suoi tre film, con la morte per overdose di un padre dannato in <b>Tout est pardonée </b>e il suicidio di un padre amorevole in <b>Il padre dei miei figli</b>, parlano a loro modo di famiglia, di ricordi, di amore, di assenza, di passione, di bellezza che sboccia e a fatica resiste. In<b> Un amore di gioventù</b> per la prima volta non c’è la morte, anche se l’amore intenso e impossibile che racconta è anch’esso una forma di lutto: ma è la vita, questa volta (e a guardar bene anche nelle opere precedenti) a emergere, a pulsare, a scorrere sui corpi dei personaggi e a illuminare il film. <br />
<br />
Ispirata da una magnifica frase di Proust («Là dove la vita alza un muro, l’intelligenza apre una breccia») e con una nonna che le scrive di Kierkegaard («La vita non può essere compresa che tornando indietro, ma deve essere vissuta andando avanti»), <b>Mia Hansen-Løve </b>ha il coraggio di usare una storia nota per raccontare la fenomenologia di un amore giovanile. La sua è una love story raffinata e precisa negli sviluppi psicologici, che non si abbandona mai al facile erotismo né alla retorica degli affetti eterni. Merito del modo di filmare attento e preciso, così poeticamente francese, della regista, la sua attenzione per il movimento degli attori (bravissima la nemmeno ventenne Lola Creton), per il loro rapporto con lo spazio e il tempo che passa. <br />
<br />
Non è un caso che una volta guarita dal suo amore tradito, la protagonista diventi un’architetta, per provare a ricostruire il mondo crollatole addosso, e provare a starci dentro, a viverlo.
E merito, anche, di una scelta musicale intelligente e toccante: in <b>Un amore di gioventù</b>, infatti, in questo fragile e dolce racconto di giovinezza, di un amore che nasce finisce e non si lava più, <b>Mia Hansen-Løwe</b>, per sottolineare la struggente solitudine della sua protagonista, innamorata di un amore troppo giovane per durare, un amore che le resterà attaccato per sempre, come acqua che scorre ma non asciuga, usa in due momenti una canzone dell’inglese Johnny Flynn, <b>The Water</b>. <br />
<br />
Dolce e fragile, il pezzo (che si ascolta due volte, a metà e alla fine) fa emergere l’esperienza emotiva della protagonista, il suo corpo fresco eppure consumato dalla tristezza, il dolce abbandono di un’esistenza segnata: se alla prima occasione <b>The Water</b>, con i suoi arpeggi di chitarra e le voci calde di <b>Flynn</b> e di Laura Marling, cerca di sostenere il cuore della ragazza accompagnando la relazione più matura in cui ha trovato rifugio, nella seconda, durante la scena finale e sui titoli di coda, una volta che il grande amore è per davvero perduto, ciò che resta sono un corso d’acqua e una figura che si lascia trascinare dalla corrente. Perché l’acqua «sostiene senza nemmeno provarci» (come dice la canzone inglese), l’acqua è come l’amore, naturale e indispensabile. Niente lacrime, niente primi piani, niente elegie o sospiri. Solo un corpo, il suo dolore, la sua ricchezza, e la musica che chiude il film senza insistere o eccedere, dicendo con il suo linguaggio dei sensi ciò che tutti sanno e tutti hanno già visto.Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-77598065910735112622012-10-17T08:57:00.001+02:002012-10-17T08:58:54.487+02:00Film della settimana: 17 e 18 ottobre<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Diaz - Non lavare questo sangue </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;"><br />di</span><span style="font-size: x-large;"> Daniele Vicari</span><br />
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://static.vivacinema.it/625X0/www/vivacinema/it/img/diaz-vince-panorama-berlino-2012.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="http://static.vivacinema.it/625X0/www/vivacinema/it/img/diaz-vince-panorama-berlino-2012.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span><b></b>
<span style="font-size: xx-small; font-style: italic;"><br /></span>
Genova, luglio 2001. Durante il G8, trecento poliziotti e settanta agenti di un reparto speciale fanno irruzione nella scuola Diaz, dove hanno trovato riparo novantatre giovani provenienti da diverse nazioni e impegnati in una protesta pacifica contro il summit. Il violento attacco delle forze dell’ordine sui manifestanti disarmati e semiaddormentati segnerà una delle pagine più tragiche e tristi della recente Storia del nostro Paese. Su questo drammatico sfondo si dipanano le vicende di vari protagonisti: un giornalista di Bologna, un’anarchica tedesca che ha partecipato agli scontri, un organizzatore del Genoa Social Forum, una giovane avvocato del Genoa Legal Foru, un vecchio militante della CGIL… <br />
<br />
<a name='more'></a><br />
Un tempo si diceva Armando Diaz e si pensava al generale della Vittoria nella Grande Guerra, ma dal 21 luglio 2001 quel nome rievoca fatti che si vorrebbe non fossero mai avvenuti. A dare eco a quell’intervento di «macelleria messicana» avvenuto in conclusione del G8 di Genova sono stati dunque anche i giornali stranieri; e ricordiamo l’articolo di Nick Davies sul «The Guardian» del luglio 2008, dove si constatava amaramente come, a processo ultimato, «giustizia non era stata fatta». In effetti, persino i colpevoli riconosciuti tali sono rimasti impuniti e nessuno si è preoccupato di indagare sulle responsabilità ai livelli alti della politica. Non lo fa neppure il film di Daniele Vicari che, in base alle numerose testimonianze visive e verbali esistenti, si limita a ripercorrere quelle tragiche ore intrecciando le storie di un gruppetto di pacifici no-global, in contrasto agli opposti vandalismi dei Black Bloc, scusante ufficiale dell’esplodere di tanta violenza da parte delle forze dell’ordine. Chiaro che, a fronte dei vergognosi massacri perpetrati alla Diaz e proseguiti a freddo i giorni seguenti nella caserma di Bolzaneto, per il regista (come per tutti noi), la scusa non regge. <br />
<br />
A<b> Daniele Vicari</b> l’etichetta di cinema civile non piace, eppure le ricadute civili di <b>Diaz </b>ci sono. Anche se non contiene speciali rivelazioni, il suo film dona al cinema una grande potenza espressiva. Con una scelta di stile che non si concede licenze, <b>Vicari </b>non nasconde e anzi mette ben in evidenza che si sta parlando di cose vere, ma da un lato spinge molto sull’azione, la velocità, il ritmo narrativo, e dall’altro usa la convenzione che umanizza il racconto nel seguire un gruppo di singole vicende.
<br />
<br />
Tre i meriti fondamentali: ricordare «la più grave sospensione dei diritti democratici in un Paese occidentale dopo la II Guerra Mondiale», consumata tra la scuola Diaz e la caserma di Bolzaneto durante il G8 di Genova del 2001, su cui è caduto un colpevole oblio; dopo quello sulle stragi di Stato, inaugurare - speriamo - un filone sull’orrore di Stato, capace di fare giustizia laddove potrebbe non esserci in aula; sotto il profilo cinematografico tout court, firmare un film decisamente popolare, puntando sulle emozioni – il pugno allo stomaco dell’assalto della polizia alla Diaz – e trovando insieme al genere horror anche il Salò di Pasolini con le torture a Bolzaneto. Il premio del pubblico a Berlino attesta questa tensione popolare, e fa ben sperare per un analogo esito in Italia: a differenza di <b>Romanzo di una strage</b> di Giordana, dedicato ai fatti di Piazza Fontana, Vicari non racconta, non costruisce teorie, semplicemente, mostra i fatti meno - anzi, per niente - filmati di uno degli eventi, il G8, più filmati al mondo. E riguadagna al cinema di finzione una capacità documentale e documentaria che il documentario stesso non può avere.
<br />
<br />
Diaz affronta un’esperienza molto cruda, una sorta di pugno nello stomaco che non lascia vie di fuga agli spettatori non inclini ai film semi-documentaristici a trazione integrale di denuncia. Si può dire, peraltro, che il regista <b>Daniele Vicari</b> si dimostra abile nel gestire il ritmo della propria (re),visione apocalittica e nel ricostruire relativi sfondi, scontri e sadismi sul filo di un’emotiva e frenetica verosimiglianza. <b>Diaz</b> è insomma un saggio di cinema, come si diceva una volta, poetico-politico molto più coerente e moderno di <b>Romanzo di una strage</b>, più vicino al linguaggio della tv. <br />
<br />
A Vicari interessa fare quello che sa fare e cioè produrre choc a tutto schermo, accelerare o rallentare lo sguardo della cinepresa, spaccare i protagonisti tra buoni, semibuoni, cattivi e cattivissimi e farsi paladino dei giovanilistici furori che, fatti salvi pochi «se» e ancora meno «ma», avrebbero in fondo sempre ragione. Da una parte si libera dalle fumisterie complottiste, dall’altra rinuncia ad approfondire il perché degli opposti comportamenti scatenati dal panico come dalla rabbia. Su una cosa, però, può stare tranquillo: se i fatti di Genova gettarono un’ombra sulla democrazia, hanno provveduto a diradarla non solo la normale dialettica giudiziaria e la garanzia delle personalità super partes come il presidente Napolitano, ma anche il fatto che si sia potuto fare un film, come il suo, costosissimo, pubblicizzatissimo e lodato nella stessa misura in cui è stato attaccato. Meriti di un cinema non sempre bellissimo, ma di certo efficace.Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-56086582808407114752012-09-19T10:26:00.000+02:002012-09-19T10:41:08.001+02:00Ecco la stagione 2012-2013 del Nucleo<!--[if gte mso 9]><xml>
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</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.toonaripost.com/wp-content/themes/Yen/timthumb.php?src=http://www.toonaripost.com/wp-content/uploads/2012/03/Friends-in-Need-Quirky-Characters-of-The-Descendants.jpg&w=580&zc=1" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="http://www.toonaripost.com/wp-content/themes/Yen/timthumb.php?src=http://www.toonaripost.com/wp-content/uploads/2012/03/Friends-in-Need-Quirky-Characters-of-The-Descendants.jpg&w=580&zc=1" width="320" /></a></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><br />Ed eccoci qui come ogni anno con la nuova stagione del Circolo del cinema Il Nucleo. </span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b>Attenzione:</b> da quest'anno due sole proiezioni a settimana, <b>il mercoledì e il giovedì</b>.</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Tessera: <b>25 € </b>(per 16 film + 1) - </span><span style="font-family: inherit;"><b>Sala Ordet</b> (Piazza Cristo re 1, Alba) - ore <b>20.45</b></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">CIRCOLO DEL CINEMA IL NUCLEO 2012-2013</span></b><span style="font-family: inherit;"> </span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><i>Evento speciale: venerdì 28 settembre<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Cesare deve morire</span> </b>di Paolo e Vittorio Taviani (Italia 2012)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<i><span style="font-family: inherit;">Proiezione a cura dell’Associazione Gianfranco
«Alec» Alessandria<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><u>Ingresso gratuito anche per i non tesserati<o:p></o:p></u></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">3-4 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Paradiso amaro</span> </b>di Alexander Payne (Usa 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">10-11 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Il primo uomo</span> </b>di Gianni Amelio (Ita-Fra-Alg 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">17-18 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange;">Diaz</span></b><b style="font-family: inherit;"> </b><span style="font-family: inherit;">di
Daniele Vicari (Italia 2012)</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">24-25 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">La guerra è dichiarata</span></b> di Valérie Donzelli (Fra 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">31 ottobre-1 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Young Adult</span></b> di Jason Reitman (Usa
2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">7-8 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Un amore di gioventù</span> </b>di Mia Hansen-Løve (Fra 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">14-15 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Sister</span></b>
di Ursula Meier <span lang="DE">(Fra 2012)</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">21-22
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Le idi di marzo</span> </b>di George Clooney (Usa 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">28-29
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">La faida</span> </b>di Joshua Marston (Usa 2011, 109’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">5-6 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Monsieur Lazhar</span> </b>di Philippe Falardeau (Canada 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">12-13 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Silent Souls</span> </b>di Aleksei Fedorchenko (Russia 2010)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">19-20 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">E ora dove andiamo?</span> </b>di Nadine Labaki (Fra-Lib 2011)</span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">9-10
gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">La mia vita è uno zoo</span> </b>di Cameron Crowe <span lang="EN-GB">(Usa 2011)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">16-17 gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">Tutti i nostri desideri</span> </b>di Philippe Lloret <span lang="EN-GB">(Fra 2011)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">23-24 gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span lang="EN-GB"><span style="color: orange;">A Simple Life</span> </span></b>di Ann Hui <span lang="EN-GB">(Hong Kong 2011)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">30 gennaio-1 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">C’era una volta in Anatolia</span> </b>di Nuri Bilge Ceylan (Turchia 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">6-7 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><span style="color: orange;">50 e 50</span><span style="color: red;"> </span></b>di Jonathan Levine (Usa 2011)<o:p></o:p></span></div>
<!--EndFragment--><br />
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><b>Le tessere saranno in vendita presso:</b><u><o:p></o:p></u></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Libreria La Torre, Piazza Elvio Pertinace 8/D, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Libreria San Paolo, via Vittorio Emanuele 30/A, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Videoteca Casablanca, via S. Teobaldo 5/A, Alba<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Sala Ordet, Piazza Cristo Re 1, Alba (prima della proiezione)<br /><br />Per scoprire le trame dei film presentati, clicca qui sotto</span><br />
<a name='more'></a><span style="font-family: inherit;"><br /><o:p></o:p></span></div>
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<br />
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;"><i>Evento speciale: venerdì
28 settembre<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">Cesare deve morire </span><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(Italia 2012, 76’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Paolo e Vittorio
Taviani <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">A sette anni dalla
scomparsa di Gianfranco Alessandria, per ricordarne come sempre la passione per
il cinema e al tempo stesso l’impegno come volontario nel carcere di Alba, sarà
proiettato uno dei film evento dell’anno: <i>Cesare
deve morire</i>, l’Orso d’oro di Berlino 2012 in cui i fratelli Taviani mettono
in scena il <i>Giulio Cesare </i>di
Shakespeare con un gruppo di detenuti del carcere di Rebibbia. Un limpido,
bellissimo esempio di cinema militante che guarda al teatro e alla vita. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">3-4 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: orange;">Paradiso amaro</span><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<i>The Descendants</i>, Usa 2011, 110’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Alexander Payne<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">L’esistenza dell’avvocato
Matt King, discendente di un’antica famiglia hawaiana e proprietario insieme ai
cugini delle ultime terre vergini dell’arcipelago, viene stravolta quando sua
moglie entra in coma dopo un incidente nautico. L’evento porterà alla luce il
tradimento della donna e Matt, marito e padre in realtà indifferente, deciderà
di andare alla ricerca del suo rivale con le due figlie, l’adolescente Alex e
la piccola Scottie. Già regista di <i>A
proposito di Schimdt </i>e <i>Sideways</i>,
Payne gira il suo film più maturo, una commedia dominata dalla presenza gentile
di George Clooney e dal suo tentativo di trovare un senso alla vita, nonostante
gli errori del passato e l’incertezza del futuro. Oscar per la Miglior
sceneggiatura non originale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">10-11 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Il primo uomo <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<em>Le premiere
homme</em>, Ita-Fra-Alg 2011, 98’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Gianni Amelio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Jacques Cormery,
alter-ego di Albert Camus, fa ritorno in Algeria alla fine degli anni ‘50 per
tenere una lezione universitaria. Sono i giorni che precedono lo scoppio della
guerra di liberazione e il paese vive momenti di grande tensione. Accusato di
simpatizzare per il Fronte di liberazione nazionale, Cormery si rifugia dalla
madre e ripensa alla propria vita: l’assenza del padre, l’infanzia povera, la
scuola, l’educazione rigida della nonna e quella libera del maestro elementare.
Amelio porta sullo schermo l’ultimo romanzo di Camus, incompiuto e pubblicato
postumo, e raffigura una storia universale, il ritratto di un uomo ideale che
si confronta con l’essenza della vita, dei ricordi e dei legami che uniscono
ciascuno di noi alla propria terra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">17-18 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>Diaz </b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(Italia 2012, 120’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Daniele Vicari<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Genova, luglio 2001.
Durante il G8, trecento poliziotti fanno irruzione nella scuola Diaz, dove
hanno trovato riparo giovani provenienti da tutto il mondo impegnati in una
protesta pacifica contro il summit. Tra di essi un giornalista bolognese, due
volontari innamorati, un’anarchica tedesca sconvolta dalla violenza degli
scontri, oltre a un pensionato e a un poliziotto che non condivide la ferocia
dei suoi colleghi, ma sa porle un freno. Vicari mette in scena uno dei punti
oscuri della Repubblica italiana con un film corale e ambizioso, militante
nelle intenzioni e pop nella messinscena, tra andirivieni temporali e lo stile
da reportage: ne emerge un film appassionato e ambiguo, che difficilmente
smetterà di far discutere e porre interrogativi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">24-25 ottobre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="color: orange; font-family: inherit;"><b>La guerra è dichiarata</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<i>La guerre est déclarée</i>, Fra 2011, 100’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Valérie Donzelli<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Romeo e Juliette sono
belli, si amano, si divertono, vivono fino in fondo la loro storia e a un certo
punto decidono di avere un figlio. La loro vita è perfetta, ma la tragedia è lì
ad aspettarli: il piccolo Adam è infatti gravemente malato e per la coppia
comincia una “guerra” che durerà anni, che li porterà ad affrontare grandi
dolori, ma renderà indissolubile il loro legame. L’attrice e regista Valérie
Donzelli e il suo ex compagno, attore anche lui, Jérémie Elkaïm raccontano la
loro incredibile storia autobiografica e realizzano uno dei più sorprendenti
film della stagione: non un diario personale, ma un racconto esaltante tra la
commedia, la farsa e il dramma, pieno di colori, musica, urla, pianti, risate e
tanta, infinita voglia di vivere.<span style="font-size: 10pt;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">31 ottobre-1 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Young Adult<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Usa 2011, 94’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Jason Reitman<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">Mavis Gary, quarantenne
single che lavora come <i>ghost writer</i>,
torna nella cittadina del Minnesota dove è cresciuta, decisa a riprendersi l’ex-fidanzato
del liceo oggi felicemente sposato. Il ritorno a casa si rivela però molto
complicato, poiché Mavis è ancora considerata la ragazza più bella della scuola
che snobba chiunque e lei stessa non sa uscire dal suo personaggio. Solo un
vecchio compagno di scuola un tempo ignorato saprà darle un po’ di conforto.
Dal regista di <i>Juno </i>e <i>Tra le nuvole</i>, una commedia nera su un
fallimento esistenziale che racconta la vita di provincia e le relazioni sociali
dal punto di vista di un personaggio negativo e altezzoso. Nasce così il
ritratto di un’eroina affascinante e scomoda, magnificamente interpretata da
Charlize Theron. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">7-8 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Un amore di gioventù<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Un amour de jeunesse</i>, Fra 2011, 110’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Mia
Hansen-Løve<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">La quindicenne Camille e
il diciannovenne Sullivan sono innamorati, ma dopo un periodo felice passato
insieme, lui decide di partire per il Sudamerica e di non rispondere alle
lettere dell’amata. Disperata e incapace di accettare la fine dell’amore,
Camille tenta il suicidio ma si salva. Anni dopo, trovato un equilibrio
interiore, una passione per l’architettura e un nuovo compagno, Camille
incontra nuovamente Sullivan e i sentimenti a lungo sommersi non tardano a
riemergere. Tra ricordi della nouvelle vague, del cinema di Sautet, Techiné e
Assayas, la giovane e talentuosa Hansen-Løve racconta una storia d’amore
pura e tormentata, con una fanciulla in fiore che richiama memore proustiane e
celebra la delicata profondità del miglior cinema francese. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">14-15 novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Sister<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="DE"><span style="font-family: inherit;">(<i>L’enfant d’en haut</i>, Fra 2012, 97’)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Ursula Meier<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In una stazione sciistica
sulle Alpi svizzere, Simon, un orfano di dodici anni, si mantiene derubando i
ricchi turisti del posto e vendendo la refurtiva ai coetanei. Con quello che guadagna
si prende cura anche della sorella maggiore, Louise, una giovane e affascinante
sbandata, perennemente disoccupata e con diversi amanti. Ma la relazione tra
Simon e Louise nasconde un segreto. La giovane regista Ursula Meier si ispira
al cinema secco e didascalico dei fratelli Dardenne per raccontare la storia
struggente di un’infanzia tradita, di un figlio di nessuno che osserva da
lontano la vita dei ricchi e prova a trarne vantaggio. E tra paesaggi gelidi e
interni squallidi, l’amore, anche se forzato, anche se impossibile, sembra l’unica
salvezza possibile.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">21-22
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Le idi di marzo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>The Ides of March</i>, Usa 2011, 102’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
George Clooney<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Stephen
Myers è uno stratega della comunicazione al servizio del governatore Mike
Morris, in corsa per le primarie del Partito Democratico e aspirante candidato
alla presidenza degli Stati Uniti. Idealista ma anche pragmatico e
spregiudicato, Stephen non è insensibile ai corteggiamenti dalla concorrenza, e
quando la scomparsa di una stagista del suo staff rischia di coinvolgere il
governatore, non esita a tirarsi fuori e a svelare l’intrico di interessi e
corruzione che segna la politica americana. Alla sua terza regia, George
Clooney, qui anche interprete, gira un pamphlet politico sulla fine dell’idealismo,
sorretto da un’ottima scrittura e da un cast di stelle come Ryan Gosling,
Philip Seymour Hoffman e Marisa Tomei.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">28-29
novembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">La faida<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>The Forgiveness of Blood</i>, Usa 2011, 109’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di
Joshua Marston<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Nik
e Rudina, fratello e sorella che vivono in un paese dell’Albania, hanno
rispettivamente diciassette e quindici anni. Come tutti i ragazzi della loro
età hanno sogni e prospettive (la possibilità di aprire un bar lui, iscriversi
all’università per lei), ma un’accusa di omicidio rivolta al padre ne sconvolge
la vita. A causa infatti del Kanun, un codice di legge plurisecolare dei
Balcani, Nik e gli altri membri maschi della famiglia sono costretti agli
arresti domiciliari ed esposti al rischio di una vendetta autorizzata dalla
legge. L’americano Marston gira una storia di violenza tribale ed educazione
alla vita, che scava nei legami senza tempo di un mondo rurale e riflette l’immagine
distorta della società occidentale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">5-6 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Monsieur Lazhar<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Canada 2011)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Philippe Falardeau<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In seguito alla tragica
scomparsa della loro insegnante, gli alunni di una scuola elementare di
Montreal si ritrovano traumatizzati e senza una guida. Toccherà al cinquantenne
algerino Bachir Lazhar, vedovo e in attesa di ottenere lo status di rifugiato
politico, prendersi carico della classe e attraverso la sua esperienza provare
a instaurare un dialogo con i bambini, tra le difficoltà dell’insegnamento e la
drammaticità della situazione. Con uno stile sobrio ed efficace, capace di
rendere emozionante una storia a rischio di sentimentalismo, il canadese
Falardeau porta al cinema una pièce teatrale campione d’incassi in patria e
affronta due argomenti tabù della nostra società, la morte e l’infanzia, con
insolita precisione e verità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">12-13 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Silent Souls<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Ovsjanki</i>, Russia 2010, 80’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Aleksei Fedorchenko<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Alla morte della moglie,
Miron chiede all’amico Aist di accompagnarlo nel lungo viaggio che dovrà
compiere per celebrare il rito d’addio alla donna, secondo le tradizioni della
cultura dei Merja, un’antica etnia del Lago Nero, nel centro-ovest della
Russia, ormai estinta. Presentato a Venezia due anni fa e uscito nelle sale
italiana solamente nell’estate di quest’anno, <i>Silent Souls</i> è un film sospeso e profondo, un canto funebre magico
e meravigliosamente fotografato, che utilizza la formula classica del road
movie per imbastire una poetica elegia dell’amore e della morte dolce,
lasciando agli elementi naturali del paesaggio russo, i grandi specchi d’acqua
e i campi piatti a perdita d’occhio, il compito di accogliere l’umore dolce e
malinconico dei personaggi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">19-20 dicembre<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">E ora dove andiamo? <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Et maintenant, on va où?</i>, Fra-Lib 2011, 110’)<span style="font-size: 10pt;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Nadine Labaki<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In un villaggio della
campagna libanese le donne dominano una comunità in cui gran parte degli uomini
o sono partiti per la guerra e sono morti oppure sono inetti e rissosi. Divise
dalla religione ma unite dal desiderio di mantenere la pace, le donne sia
musulmane sia cristiane mettono in pratica ingegnosi e spassosi stratagemmi,
per tenere impegnata la controparte maschile e nascondere i segnali più
inquietanti di una guerra civile destinata a non finire. Tra il musical e la
commedia femminile, l’astro nascente Nadine Labaki, già autrice di <i>Caramel </i>e come sempre anche attrice
oltreché regista, gira una parabola divertente e colorata sulla follia degli
uomini e prova ad affrontare a cuor leggero gli argomenti più scottanti del
Medioriente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">9-10
gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">La mia vita è uno zoo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: inherit;">(<i>We Bought a Zoo</i>, Usa 2011, 124’)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di Cameron Crowe<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Giornalista d’assalto, vedovo
e padre di un quattordicenne problematico e di una vivace bambina, Benjamin Mee
dà una svolta alla propria vita quando abbandona il lavoro e vende la sua casa
per comprare… uno zoo. Dismesso da tempo e popolato da numerose specie animali,
oltreché da un gruppo di appassionati impiegati, lo zoo si rivela di difficile
gestione per l’inesperto Benjamin: ma la sua forza di volontà e il desiderio di
offrire ai suoi figli un nuovo inizio porteranno al lieto fine. Ispirata a una
storia incredibile ma vera, una commedia in cui Cameron Crowe (già regista di <i>Quasi famosi</i>) sfrutta fino in fondo le
potenzialità del melodramma americano e racconta l’ennesima storia di riscatto
personale. Con Matt Damon e Scarlett Johansonn.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">16-17 gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">Tutti i nostri desideri <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: inherit;">(<i>Toutes nos envies</i>, Fra 2011,
120’)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Philippe Lloret <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Claire, giovane
magistrato del tribunale di Lione, incontra il giudice Stéphane e lo coinvolge
nella sua lotta contro le derive del credito al consumo. Sposata e con due
figli lei, divorziato e disincantato lui, i due colleghi instaurano un legame
che potrebbe sfociare in amore, ma lo sfortunato destino della ragazza renderà
ancora più urgenti e necessarie le loro battaglie. Dal regista di <i>Welcome </i>e dallo scrittore Emmanuel
Carrère, un melodramma contemporaneo tanto idealista quanto autentico, in cui i
risvolti tragici della trama per una volta non spingono alla lacrima, ma
comunicano una contagiosa energia vitale. Ottimista e battagliero, un film
tradizionale nella forma e militante nel contenuto, interpretato dalle star
francesi Vincent Lindon e Marie Gillain.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">23-24 gennaio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="EN-GB"><span style="color: orange; font-family: inherit;">A Simple Life <o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: inherit;">(<i>id.</i>, Hong Kong 2011, 119’)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Ann Hui<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Ah Tao è stata per
sessant’anni al servizio della famiglia Leung. Con il tempo i componenti della
famiglia sono morti o sono emigrati e ora Ah Tao lavora per Roger, l’unico
Leung rimasto a Hong Kong. Legato alla donna da un affetto sincero, Roger
sceglie di restituire il favore di un’intera vita quando la donna si ammala ed
è costretta a trasferirsi in una casa di riposo. Tra un viaggio e l’altro del
suo lavoro, troverà sempre il tempo di far visita all’amata tata e di pagarne
le cure, portando avanti fino alla fine un rapporto fatto di amicizia, lealtà e
riconoscenza. Tratto da una storia vera, un piccolo, straordinario film d’amore
che racconta con la leggerezza della vita vera un legame tra i più commoventi
del cinema recente. Una storia di verità e bellezza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">30 gennaio-1 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">C’era
una volta in Anatolia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">(<i>Bir Zamanlar Anadolu’da</i>, Turchia 2011,
157’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">di
Nuri Bilge Ceylan<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Un gruppo di poliziotti,
accompagnati da un magistrato e da un medico, conducono un uomo accusato di
omicidio sui luoghi dove si è consumato il reato: siamo nelle brulle steppe
dell’Anatolia, di notte, tra lampi e raffiche di vento, e il viaggio nel cuore
della Turchia più profonda diventa una sorta di Odissea per scoprire la verità
su un caso complicato e svelare la verità nell’animo dei viaggiatori. Ai
confini tra il cinema metafisico e il genere poliziesco, quasi fosse un Simenon
che dialoga Bergman e al tempo stesso è capace di improvvise impennate di
umorismo nero, un film potente e profondissimo che va dritto al cuore del
cinema e della sua capacità di svelare modi profondissimi dietro le immagini e
i volti dei personaggi. Gran premio della giuria a Cannes 2011.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MediumGrid2">
<span style="font-family: inherit;">6-7 febbraio<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="color: orange; font-family: inherit;">50 e 50<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">(<i>50/50</i>, Usa 2011, 99’)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">di Jonathan Levine <br />
Adam ha ventisette anni, una bella fidanzata e un buon lavoro alla radio. La
sua vita viene però sconvolta dalla diagnosi di una rara forma tumorale e Adam
si trova a far fronte alle contraddizioni generate dal suo stato e alle
reazioni delle persone vicine: Kyle, il suo migliore amico, caciarone e fedele,
usa la sua malattia per attirare le ragazze, sua madre si fa prendere dall’ansia,
la fidanzata prova a far finta di niente e a mantenere una vita sociale attiva
e Katherine, la psicoterapeuta, cerca di aiutarlo ad affrontare per quanto alle
prime armi sembra capirlo da vicino. Nonostante il tema delicato, un commedia
agrodolce, con irresistibili momenti comici, sulle infinite possibilità della
vita e sull’inevitabile accettazione del destino.</span></div>
<!--EndFragment--></div>
<!--EndFragment-->Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-1059930894708793002012-05-02T00:08:00.001+02:002012-05-02T00:08:56.409+02:00Il cineocchio: 2-3 maggio<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Il sentiero </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Jasmila Zbanic</span><br />
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://ftv01.stbm.it/imgbank/GALLERY/ON/04248305.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="http://ftv01.stbm.it/imgbank/GALLERY/ON/04248305.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<b style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;">Sinossi</span></b><br />
<div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Sarajevo,
oggi. Luna e Amar sono giovani, si amano e hanno un buon lavoro. Quando però
lui viene licenziato a causa del suo problema con l’alcol, le cose peggiorano.
Assunto come tecnico in una comunità musulmana distante da Sarajevo, Amar si fa
sedurre dal radicalismo islamico, lasciando a Luna, rimasta a vivere in città,
la sensazione di aver perso l’uomo che amava. Costretta a fare i conti con la propria vita, la donna sceglierà per la propria libertà e indipendenza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<a name='more'></a><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">La giovane Jasmila Zbanic, già vincitrice dell’Orso d’oro a
Berlino nel 2006 con <i>Il segreto di Esma</i>,
torna con <i>Il sentiero</i> a riflettere
sulla società bosniaca emersa dalla guerra civile, affrontando con sensibilità
femminile la questione del rapporto fra cultura e religione in una regione
fondamentale per gli equilibri dell’Europa. Il film arriva nelle sale italiane dopo
più di due anni dalla presentazione sempre a Berlino e si pone, insieme con <i>Cirkus
Columbia</i>, presentato al Circolo
del cinema Il Nucleo lo scorso gennaio, come una delle opere più sensibili e
delicate su una delle grandi questioni aperte (e sovente dimenticate) dell’Europa
unita. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">E se per noi “occidentali”
– in realtà vicini di casa indifferenti – il sanguinoso conflitto
bosniaco-serbo con le sue migliaia di morti e il suo corollario di stragi
etniche è storia archiviata, per coloro che l’hanno vissuto in prima persona,
no. Né per la Zbanic, né, di conseguenza, per i personaggi tormentati dei suoi
film. In particolare, per la hostess Luna e per il controllore di volo Amar,
giovane coppia di musulmani nella Sarajevo multiculturale di oggi. Potrebbero
essere felici, ma lui, ossessionato dai fantasmi della guerra, cerca pace nel
credo integralista di un gruppo Wahabita, dove le donne sono soggette a regole
restrittive. E le contraddizioni di un paese, le sue ferite insanabili, i suoi
conflitti sempre nuovi e sempre vecchi emergono con spaventosa verità e sottile
complessità. La Zbanic è sottile nell’osservare l’apparenza di una società
normale ma che porta dentro cicatrici e ferite di guerra ancora non rimarginate
e di cui soprattutto le donne sono testimoni e vittime.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">È infatti Luna la vera
protagonista del film, nonostante la relazione con il marito Amar, tra un liquore
di troppo, un bambino che non arriva e la scelta dell’inseminazione
artificiale, resista (o almeno provi a resistere) alla spinta violenta dell’integralismo.
Luna vive da testimone e da sguardo lucido l’integralismo dove il Corano non è
suscettibile di interpretazione personale e dove donne e uomini sono divisi da
veli e pareti, da differenti diritti, differenti doveri. Fisicamente,
simbolicamente. Il triangolo, in questa storia d’amore dai nervi radicati nel
territorio, è tra lei, lui e la Religione. Perché la guerra, a Sarajevo, nell’ex
Jugoslavia, forse ovunque, è un conflitto soprattutto privato. Perché lui è
sedotto da un credo totalitario: che pensa in sua vece, che finalmente lo
controlla. E anche se lei è paziente, la fede acceca infine anche l’amore<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: inherit;">La forza del film sta nella capacità con cui la
regista, da un lato, ritrae con minuzia e sensibilità la sua protagonista e
dall’altro si propone il compito di restituire la complessità della questione
religiosa interna, il dissidio che non può che essere una questione familiare: l’islamismo
non coincide con l’integralismo, l’integralismo non coincide necessariamente
con il terrorismo. Eppure a Sarajevo esiste un problema identitario e
prettamente sociale che può trasformarsi in un conflitto etico, morale, ancora civile.</span></span>
</div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-82826866109739998312012-04-24T09:34:00.001+02:002012-04-24T09:38:21.971+02:00Il cineocchio: 25-26 aprile<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">This Must Be the Place </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Paolo Sorrentino</span><br />
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-gDsSq0jP8Uw/TqCdR87ShjI/AAAAAAAAAxU/g4alKpY9v9s/s400/this_must_be_the_place_penn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-gDsSq0jP8Uw/TqCdR87ShjI/AAAAAAAAAxU/g4alKpY9v9s/s400/this_must_be_the_place_penn.jpg" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: -webkit-auto;">
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
<span style="text-align: left;"></span><br />
<div style="text-align: -webkit-auto;">
<span style="text-align: left;"><b>Sinossi</b></span><span style="text-align: left;"><br />Cheyenne, ricca e annoiata rockstar ritiratasi a
Dublino, torna dopo anni nella sua New York per il funerale del padre. Leggendo
i diari dell’uomo, decide di continuare la ricerca di un criminale nazista
avviata dal genitore nei suoi ultimi anni di vita, provando così a riallacciare
i rapporti con il suo passato. E tra la metropoli e il deserto americano, il
mito del rock e il fantasma dell’Olocausto, ritroverà l’identità perduta.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"></span></span><br />
<a name='more'></a><span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><br />Il cinema di Paolo Sorrentino
si confronta da sempre con la solitudine dell’individuo di fronte
all’impenetrabile palcoscenico della realtà. Come un soggetto impazzito, va alla
ricerca dell’immagine artefatta, del movimento perfetto, dell’espressione
consapevole di uno sguardo che basta a se stesso affidandosi a un eccesso
visivo che vanifica quasi del tutto la parola. Ogni film di Sorrentino è mosso
da un bisogno ineluttabile, forse capriccioso, di colmare un vuoto, di coprire
una distanza data per irrecuperabile che separa i personaggi dal mondo dal
quale si sono esiliati.</span></span></div>
<br />
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">L’ex rock star
Cheyenne protagonista di <i>This Must Be the
Place</i>, come già i personaggi di <i>Le
conseguenze dell’amore </i>e <i>L’amico di
infanzia</i>, è il suo ennesimo eroe impassibile che assiste allo spettacolo
del mondo senza decifrarne il movimento. Come la scenografia del numero live di
David Byrne, la realtà per Sorrentino segue percorsi imprevisti e indipendenti dai
suoi protagonisti, cantanti, eroi, freak che restano soli al centro della scena
come punti di riferimento squilibrati in un universo privo di coordinate. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Quello di Sorrentino è
un rituale, la sopravvivenza di un individuo e di una cultura alla modernità. I
suoi film, e <i>This Must Be the Place </i>più
di tutti gli altri, sono racconti dell’oltre vita, storie di individui che ridefiniscono
la loro immagine, che si mettono in moto soprattutto emotivamente, talvolta
anche fisicamente, per uscirne cambiati. Allo stesso modo l’autore si incarna
nell’eroe, resta solo sulla scena con il proprio stile inconfondibile, al
perenne inseguimento di una realtà avvicinabile solo con l’artificio e la
costruzione. Nel caso specifico di quella americana, inoltre, una realtà
intrisa di immaginario, di mitologia, di linee orizzontali già viste, già
filmate, già digerite, da ricalcare e riportare sulla propria pagina bianca. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">In <i>This Must Be the Place</i> Sorrentino ha fin
troppa materia da omaggiare, dal road movie al cinema dei fratelli Coen,
dall’alienazione suburbana all’estetica <i>indie</i>
(evidente nelle scelte musicali, con la battuta sugli Arcade Fire che rifanno i
Talking Heads), tanto cinema da macinare con il suo stesso cinema. Che ricerchi
l’eccesso da scrollarsi di dosso è reso in fondo evidente dal trucco di Sean
Penn, bravissimo a calarsi nei panni ideali del cantante sul viale del
tramonto, visivamente ispirato a Robert Smith dei Cure. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Quello che però funziona
sul corpo di Sean Penn, causando uno shock mnemonico nel ritrovare l’icona <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">della star (laddove al
contrario nel finale delle <i>Conseguenze
dell’amore </i>il volto di Servillo scompariva nel cemento), non succede per il
cinema di Sorrentino, o meglio per il suo apparato visivo: fondato su
un’estetica pop e iperrealista, il suo stile, oltre il confronto anche ironico
con i propri modelli e sogni americani, se prevede anch’esso una spogliazione,
rischia pericolosamente il baratro del nulla. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: inherit;">Oltre il cerone Sean Penn ha il potere di far
desiderare il suo volto riconosciuto e finalmente riconoscibile, mentre è più
difficile capire cosa celi al di là di se stessa la ricercata artificiosità
dello sguardo di Sorrentino. Forse un ritorno a casa, forse ciò che Cheyenne
realizza nel finale di <i>This Must Be the
Place</i>: ma se lo scopo del viaggio è scoprire che la scena è il posto giusto
dove stare, e che in fondo l’unica scena che conti è quella domestica, allora il
viaggio in sé diventa un movimento nel vuoto, diventa una riflessione arguta,
ironica, pienamente alla fratelli Coen, sull’invenzione della valigia trolley. Ruote
che non si muovono da sole, per l’appunto, sancendo che si può scappare dove si
vuole, ma il posto in cui stare sarà sempre un ripiego.</span></span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-535347489443605332012-04-17T08:55:00.003+02:002012-04-17T08:57:19.441+02:00Il Cineocchio: 18-19 aprile 2012<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Le nevi del Kilimanjaro </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Robert Guédiguian</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.cineclandestino.it/public/image/2011/2011/11/News/Le-nevi-del-Kilmanjaro-news.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="191" src="http://www.cineclandestino.it/public/image/2011/2011/11/News/Le-nevi-del-Kilmanjaro-news.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="text-align: left;"><b>Sinossi</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;">Licenziato dopo anni di servizio, il marsigliese
Michel è nonostante tutto felice: accanto a sé ha la moglie Marie-Claire, i
figli, i nipoti e gli amici più cari. Un giorno due uomini mascherati fanno
irruzione nella sua casa e rubano tutto dopo averlo malmenato: il vero shock,
però, arriverà quando Michel e la moglie scopriranno l’identità degli
aggressori.</span></div>
<div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br /><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"></span></div>
<a name='more'></a><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />La classe operaia va in
purgatorio. Ma lo scopre quando è troppo tardi. Quando ormai ha passato la mezz’età
e si è abituata ai suoi minuscoli privilegi da welfare, conquistati a duro
prezzo in un secolo in cui era ancora possibile contrattare con il potere
democratico e il capitale. Senza accorgersi che, nel frattempo, all’inferno ci
sono finti gli altri, gli eredi delle lotte sindacali, i figli gettati nel
mondo del lavoro senza regole, i giovani, i precari, i sottoccupati cronici.
Gente che la vecchia coscienza di classe non sa neanche cosa sia, ed è disposta
a tutto per sopravvivere. Anche a impugnare una pistola e rapinare i compagni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />Mai stanco di raccontare
storie di povera gente, sempre attorniato dai collaboratori di sempre (l’attrice
e moglie Ariane Ascaride, il fedelissimo Jean-Pierre Darroussin, già visto
questa stagione in <i>Miracolo a Le Havre</i>,
dove interpretava l’ispettore dal cuore d’oro), il francese Robert Guédiguian
affronta come Kaurismaki i mali della società contemporanea con una commedia
militante e sottilmente rabbiosa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Dignità, integrità,
rispetto, solidarietà: sono questi i valori che il mondo di oggi ha messo in
discussione, dopo anni di conquiste civili e sindacali. Travolti
dall’evoluzione del mercato del lavoro, dalla povertà strisciante, queste
parole d’ordine di una società giusta sono diventate desideri urgenti ma
irraggiungibili per quegli ultimi della terra che da sempre sono al centro del
cinema di Guédiguian. Non solo Michel, il protagonista di <i>Le nevi del Kilimanjaro</i>, così allergico ai privilegi che quando
deve tirare a sorte venti compagni da licenziare per una ristrutturazione mette
anche il suo nome nel bussolotto, ma anche e soprattutto gli altri, i reietti,
i «miserabili», per dirla con Victor Hugo, a un cui poema (<i>Les pauvres gens</i>) è ispirato questo film struggente: il giovane
ladro che picchia e rapina perché ha due fratellini da accudire, la madre
degenere che vomita in faccia le sue «cattive» ragioni all’attonita
Marie-Claire. O quell’amico di tutta una vita, che non ha nessuna pietà di quel
ladro disperato, anzi gli augura quindici anni di lavori forzati, non di cella
con bagno e tv. Finché non ci si mette la volontà dei singoli, il coraggio
individuale, a risolvere le cose, perché non c’è coscienza collettiva se prima
non si fanno i conti con la propria. <br />
<br />
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Dice Malraux, citato da
Guédiguian: «Un film popolare è quello che rivela alla gente la grandezza che
ha dentro». Ma questa volta il regista francese, trovando la leggerezza di toni
dei suoi film migliori (</span><i style="font-family: inherit;">Marius et
Jeanette</i><span style="font-family: inherit;">, 1998,</span><i style="font-family: inherit;"> </i><span style="font-family: inherit;">su tutti), fa
qualcosa in più rispetto al solito: non solo rimanda con il suo film alla
tradizione del realismo poetico, non solo riecheggia echi del cinema che si
faceva in Francia negli anni ’30, ai tempi del Fronte popolare, non solo,
venendo ad anni successivi, riprende l’idea dell’«immaginazione al potere», ma
realizza un’opera sul potere della favola. Una favola sulla volontà di superare
la </span><i style="font-family: inherit;">débacle </i><span style="font-family: inherit;">del proletariato nell’apologo
degli ultimi, con la musica sacra a officiarne l’unione ritrovata. Pia
illusione, perché invero è un nostalgico scoramento a segnare la storia de
film, tra rapimenti, tradimenti e successivi pentimenti.</span></div>
<span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: inherit;"><br />Quella di Guédiguian è dunque una favola fatta di rimpianti,
poiché la classe operaia ha perso la prospettiva di un futuro possibile, dal
momento che la classe operai sta per scomparire, sostituita da una o più
generazioni di diseredati senza diritti, ma il mondo continua ad andare avanti
per la sua strada. E la a sciogliersi al sole della nostra brutta realtà.</span></span>
</div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-41941587017105649032012-04-10T13:19:00.002+02:002012-04-10T13:20:26.786+02:00Il Cineocchio - 11-12 aprile<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Tomboy </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Céline Sciamma</span><br />
<span style="font-size: xx-small;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-66bxFbDxems/TpKvglmHWLI/AAAAAAAAAPg/HDzhHTpDTGc/s1600/tomboy1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="http://2.bp.blogspot.com/-66bxFbDxems/TpKvglmHWLI/AAAAAAAAAPg/HDzhHTpDTGc/s320/tomboy1.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: -webkit-auto;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<b style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;">Sinossi</span></b><br />
<div>
<span style="font-family: inherit;">Laure, una ragazzina di
circa dieci anni dall’aspetto mascolino, si è recentemente trasferita in un
nuovo quartiere con i suoi genitori e la sorellina, Jeanne. E’ estate e
nonostante gli altri ragazzi si divertano a giocare all’aperto, Laure ha
difficoltà a integrarsi con loro. Ma un giorno incontra Lisa, una ragazzina che
ha esattamente la sua stessa età. Laure le fa credere di essere un maschio
facendosi chiamare Mikael. Questa trasformazione le fa conquistare non solo
l’amicizia di Lisa, ma anche degli altri ragazzi. Col passare del tempo, il
rapporto con Lisa diventa sempre più stretto, rivelando anche qualche
ambiguità<i>.</i></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<a name='more'></a><span style="font-family: inherit;"><br /></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Dimostrazione
esemplare che “piccolo film” non vuol dire sempre “film piccolo”, <i>Tomboy</i> di Céline Sciamma è uno dei film
più sorprendenti della scorsa stagione cinematografica, l’ennesima – piacevole
– dimostrazione di quanto il cinema francese sappia essere preciso e discreto
nel tratteggiare sentimenti fragili e indecifrabili come quelli dell’infanzia.
Si rimane infatti ammirati e stupiti per la semplicità con cui a volte il
cinema d’Oltralpe affronta argomenti e temi che il nostro cinema giovane ignora
o tratta, semmai lo fa, con mano pesante e pretese di autorialità. Non
ricordiamo in anni recenti una rappresentazione dell’infanzia autentica come
quella che ci offre <i>Tomboy</i>. Se a
volte la verbosità del cinema francese adulto ci allontana, dobbiamo
riconoscergli, da sempre, una familiarità e
una consuetudine maggiore con l'universo bambino, con la cellula ricca e
complessa che dà origine all'uomo o alla donna di domani.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Tomboy
(che in inglese significa “maschiaccio”) è realizzato con un minimo di mezzi:
una telecamera Canon 5D, troupe ridotta all’osso, venti giorni di lavorazione,
cinquanta scene in due-tre ambienti. Eppure, per quanto piccolo, è una parabola
intelligente e affettuosa sui labili confini dell’identità sessuale, un film
minimalista intessuto di eventi quotidiani affrontati con una mirabile
pudicizia di sguardi e sensazioni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Soprattutto,
però, nella sua apparente modestia, <i>Tomboy</i>
è un film che ha coraggio da vendere: i suoi temi sono tra i più complicati e
rischiosi, tra l’esplorazione della sessualità e la ricerca dell’identità, il libero
arbitrio e la solitudine del diverso. Argomenti pesanti resi però lievi dalla
regia precisa e rigorosa della trentatreenne Sciamma, al suo secondo film dopo <i>Naissance des Pieuvres</i>, anch’esso una
delicata esplorazione dell’incerta sessualità adolescenziale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">La
macchina da presa, infatti, accarezza con pari discrezione e intensità il corpo
androgino e i pensieri segreti di Laure/Michael. Concentrando in dettagli quasi
impercettibili tempeste di emozioni e conflitti invisibili ma violentissimi.
Con una disinvoltura, una leggerezza, un’esattezza sentimentale che attraverso
il prisma dell’infanzia disegnano con precisione rara il campo di battaglia
dell’identità, anche adulta. Segno di un talento fuori dal comune, a cui forse
non è estranea la storia personale della regista, nipote di “italiani d’Egitto”,
parole sue, cioè ebrei d’Alessandria, costretti a riparare a Parigi «dove
diventarono francesi e cattolici». Una minoranza nella minoranza, insomma. E in
fatto di sensibilità minoritaria, le donne spesso hanno una marcia in più. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<span style="font-family: inherit; line-height: 115%;">E con scene
divertenti e naturali (la sequenza della preparazione di Laure/Michael per il
bagno al lago), la tenerezza di una situazione famigliare verosimile e uno
sguardo sempre ad altezza di bambino, questa donna, questa regista giovane e
dal futuro assicurato, riesce a raccontare in 80 essenziali minuti un
personaggio e il suo mondo. E sarà un caso, inoltre, o solo un’impressione
della critica contemporanea, ma il cinema di oggi registra una crescita esponenziale
di talenti femminili. È una sensazione, non un dato statistico. E un film
notevole come <i>Tomboy</i>,<i> </i>250.000 spettatori in Francia, premio
Panorama al Festival di Berlino del 2011, primo premio anche al Festival di
tematiche omosessuali di Torino, fa pensare che dopo un secolo di strapotere
maschile la settima arte abbia individuato un vasto terreno inesplorato. </span></div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-4854909046024204842012-04-03T09:40:00.001+02:002012-04-03T09:43:02.152+02:00Il Cineocchio: 4-5 aprile 2012<br />
<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Una separazione </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Asghar Farhadi</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://images.gqitalia.it/imgs/gallery/gcult/cinema/004445/una-separazione-1302041_0x410.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="209" src="http://images.gqitalia.it/imgs/gallery/gcult/cinema/004445/una-separazione-1302041_0x410.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">Nader e Simin sono sposati da quattordici anni,
vivono a Teheran con la figlia undicenne Termeh e sono sull’orlo della
separazione. Simin vuole lasciare il paese con il marito e la figlia, ma Nader
non è delle stessa opinione, dal momento che il padre è malato di Alzheimer.
Dopo aver visto rifiutata la domanda di divorzio, Simin lascia il marito e la
figlia e torna a vivere con la madre; nel frattempo Nader assume Razieh, una
giovane donna, incinta, profondamente religiosa e proveniente da un quartiere
povero, come badante del padre. Al primo giorno di lavoro
Razieh perde di vista il padre di Nader e scatena una serie di eventi in cui la
famiglia dovrà fare i conti con la rigida giustizia
del regime iraniano.</span></i><br />
<div class="MsoNormal">
<a name='more'></a></div>
<span style="font-family: inherit;"><i><br /></i>Uno dei film più belli
dell’anno, Orso d’oro al Festival di Berlino del 2011 e poche settimane fa
Oscar come Miglior film straniero, è il dramma familiare </span><b style="font-family: inherit;">Una separazione</b><i style="font-family: inherit;"> </i><span style="font-family: inherit;">di </span><b style="font-family: inherit;">Asghar Farhadi</b><span style="font-family: inherit;">, nuovo talento del cinema
iraniano già autore dell’apprezzato </span><b style="font-family: inherit;">About
Elly</b><span style="font-family: inherit;"> (programmato lo scorso anno dal Nucleo).</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Come il precedente film,
anche <i><b>Una separazione</b> </i>racconta della
borghesia di Teheran – la colta e benestante borghesia occidentalizzata della
città – e dei suoi dilemmi privati trasformati in tragedie civili. E, ancora,
come in <i><b>About Elly</b></i>, anche in questo
caso la disamina di un evento centrale – ovvero la causa di molestie che a un
certo punto coinvolte suo malgrado Nader – costruisce l’intero film, con le
diverse versioni di ogni personaggio che si scontrano le une con le altre, sbattendo
a loro volta contro le regole scritte e non scritte di una società lacerata
dalla sue stesse contraddizioni. <br />
<br />
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b>Farhadi</b>, che non è un
dissidente come <b>Panahi</b> (da tempo in carcere per reati d’opinione) ma non è un
artista allineato, non ci va leggero con il regime: il ritratto che fa della
giustizia iraniana, la pervasività con cui racconta l’imposizione di regole
morali opprimenti, sono critiche sottili e spietate. Ma la struttura del suo
film nasconde le accuse e mostra solo le conseguenze sulla vita quotidiana
degli individui: uomini e donne che agiscono, sbagliano, attaccano, si
difendono, hanno dubbi, fragili certezze, e vedono dispersa ogni pretesa o
diritto in un mondo che ha la colpa di non evolvere con la stessa rapidità
delle persone che vorrebbe controllare. La religione c’è, la libertà pure, la
legge che sa ascoltare anche, ma tutto sembra inutile, ogni cosa disperde le
proprie ragioni in un mare di altre ragioni. E così l’accusa più diretta al
regime iraniano è proprio quella che mette all’indice la sua debolezza, peggio
ancora la sua assenza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In <b>Una separazione</b>, dunque, da una parte ci sono le certezze e le
verità monolitiche della legge e della religione, dall’altra la nebulosa
instabile e viscosa degli individui, che coi loro dubbi e le loro fragilità
tentano di sbrogliarsi nell’intrico delle relazioni umane, aggrappandosi
ostinatamente a principi che si frantumano e si disperdono nel pulviscolo del
quotidiano. Il valore politico e scioccante del film sta proprio nella capacità
di smontare le presunte certezze degli individui e la loro pretesa di poter
capire, giudicare, decidere. L’intervento della legge, con le sue delimitazioni
taglienti e inappellabili, funziona da catalizzatore che esaspera le altre
separazioni latenti, oltre a quella esplicita tra marito e moglie: quella tra i
sessi, tra generazioni, tra classi sociali. E ad emergere non sono solo i dogmi
e le paure che in una società autoritaria ingabbiano gli individui, ma i
recinti mentali di cui essi stessi si circondano e che si fortificano grazie al
rancore e all’incomprensione, oltre che alle derive egoistiche dell’amore. La
giovanissima Termeh (interpretata dalla figlia del regista), nonostante le
lacerazioni e le pesanti responsabilità che le sono imposte, si sforza di
oltrepassare quelle barriere e ricucire le divisioni, risultando l’unica figura
in cui si possa riporre qualche speranza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Per far lievitare
naturalmente le conflittualità e le contraddizioni latenti, <b>Farhadi</b> dispone un’architettura
sottile e impeccabile, studiatissima nella sua ingannevole semplicità: una
messinscena in apparenza trasparente, quasi dimessa, alla quale è sottesa una
scrittura diabolicamente accorta nel disseminare dettagli e indizi che solo in
un secondo tempo mostrano il loro peso nell’economia narrativa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Una ragnatela finissima e
inavvertita si stringe inesorabile attorno ai personaggi, rivelando segreti e
omissioni, lasciandoci osservare come le verità e le menzogne di ciascuno
vacillino di fronte a quelle degli altri. Il passo indagatore della narrazione
disseziona spietatamente le ragioni e gli interessi che si celano dietro a ogni
scelta, in un crescendo che non risparmia nessuno, ma nemmeno si precipita
verso facili conclusioni o condanne: il punto non è identificare un colpevole,
ma aprire il nostro sguardo su una semplice e dolorosa verità, ossia che tutti
hanno le loro ragioni.</span><span style="font-family: Garamond;"><o:p></o:p></span></div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-9261167517329108582012-03-27T09:09:00.002+02:002012-03-27T09:09:45.823+02:00Il Cineocchio - 28, 29 marzo<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Faust </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Aleksandr Sokurov</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.sentieriselvaggi.it/public/articoli/45860/Images/faust%20(4)-4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://www.sentieriselvaggi.it/public/articoli/45860/Images/faust%20(4)-4.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">In un paese della Germania del XVIII secolo Faust
è un medico instancabilmente mosso dalla sete di conoscenza e soprattutto dal
desiderio di soddisfare i suoi bisogni di uomo: la fame, il piacere, la
cupidigia. Quando incontra il diavolo, incarnato in un orrida figura di
vecchio, troverà il modo di assecondare i suoi istinti.</span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br />
<a name='more'></a><br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Chiudendo la tetralogia
sul potere, iniziata nel 1999 con <i>Moloch</i>,
dedicato agli ultimi giorni di Adolf Hitler,<i>
</i>e proseguita nel 2002 con <i>Taurus</i>,
su Lenin e la sua malattia,<i> </i>e nel
2005 con <i>Il sole</i>, folgorante ritratto
dell’imperatore Hirohito, il grande regista russo Aleksandr Sokurov, uno dei
maestri riconosciuti del cinema contemporaneo, trasforma il <i>Faust </i>di Goethe in un eroe modernissimo,
un attonito e dubbioso uomo di scienza - instancabile, mai sazio, limitato,
distaccato, coinvolto, perduto - che si fa tentare dal diavolo e guidare dalla
propria ambizione. <br />
<br />
Attraverso uno straordinario lavoro sull’immagine, trasformata in una superfice
di volta in volta levigata, pittorica, decolorata, distorta, annebbiata, tra i
marroni, i verdi, gli azzurri e i grigi di un passato sfumato, e la parola,
modellata da Sokurov nella sua dimensione infinita, beffarda, esorbitante,
illuminante, dispersa, <i>Faust </i>costruisce
due ore e un quarto di flusso di coscienza in cui gli occhi e la mente sono
presi d’assalto e continuamente messi alla prova. Il film, ostico e insieme
emozionante, complesso e profondissimo, sembra un dipinto fiammingo, pieno di
un realismo brulicante che contiene i segni grotteschi della maledizione. A
partire dal testo di Goethe, inventa una deriva dell’eroe che riflette l’angoscia
esistenziale di fronte alla finitezza della conoscenza e la debolezza di fronte
alla seduzione del male. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">E in un crescendo di
corpi e oggetti, respiri e sussurri, luci e oscurità, grottesco ed elegia, al
minimo della dignità intellettuale del Faust Sokurov fa corrispondere il
massimo della ricercatezza cinematografica, indugiando nella ricerca iconografica,
in un formalismo fin eccessivo, ma trovando come conseguenza alcune delle più
belle sequenze d’amore mai viste al cinema, tra cui un dialogo di primissimi
piani che ricorda le atmosfere dorate delle icone medievali e un tuffo in un
lago che porta letteralmente a travalicare i confini tra la vita e la morte. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Quelli che Sokurov
inventa nel suo capolavoro sono sprazzi di assoluta grazia pittorica,
all’interno di un affresco così vivo e ispirato da vivere anche di un’ironia
dissacrante e rozza. Perché il suo Faust è un uomo rassegnato eppure bramoso,
desideroso di conoscenza e di potere ma fallibile come tanti eroi novecenteschi;
come il Moses Herzog di Saul Bellow (protagonista del romanzo <i>Herzog</i>, vincitore del Premio Nobel), a
suo modo un Faust contemporaneo pure lui, che passava la sua vita a lamentarsi,
a costruirsi un’immagine di vittima e a non comprendere la propria inarrivabile
stupidità. Dall’altra parte, il diavolo tentatore di Sokurov è una sorta di <i>hobbit </i>dall’aspetto disgustoso, grasso,
informe, grottesco e spietato. Un diavolo che seduce e insinua il germe del
male: ma un diavolo, attenzione, destinato a soccombere di fronte a un essere
umano che si pone come novello Ulisse. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-family: inherit;">Divorato dantescamente dalla propria incolmabile <i>hubris</i>, a summa di tutti gli uomini di
potere che hanno trasformato la Storia nel loro campo di battaglia, il Faust di
questo inizio di millennio è mangiato dal proprio orgoglio senza fine: e nei
ghiacci perenni dell’Islanda si sbarazza del diavolo per gridare al nulla il
proprio desiderio di andare oltre – “oltre, oltre, oltre” – proseguendo in una
allegorica, attualissima opera di esaltazione e auto distruzione.</span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-50944731401717057072012-03-20T09:55:00.001+01:002012-03-20T09:56:24.541+01:00Cineocchio - 21-22 marzo<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">A Dangeroud Method </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> David Cronenberg</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/it/6/6f/A_Dangerous_Method.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/it/6/6f/A_Dangerous_Method.JPG" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><br />
<i><span style="font-family: inherit;">Primi del ’900, tra Zurigo e Vienna si consuma il
rapporto professionale tra i padri della psicanalisi: lo psicologo svizzero
Carl Gustav Jung e il suo maestro Sigmund Freud. Attraverso il rapporto di
entrambi con Sabina Spielrein, paziente e amante di Jung e collaboratrice di
Freud, i due dottori approfondiranno lo studio della mente umana, tra
l’ossessione per la carne, la tentazione del divino e l’incombere delle
tragedie del XX secolo.<br /> </span></i><br />
<a name='more'></a><i><span style="font-family: inherit;"><br />
<o:p></o:p></span></i><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Nonostante i pregiudizi
del caso, dovuti all’origine romanzesca e teatrale del film e ai pericoli del
biopic d’ambientazione storica, al dramma da camera <i>A Dangerous Method </i>bastano pochi minuti – giusto il tempo di far
tollerare l’ambientazione mitteleuropea – per far capire che, sì, è un film in
costume di David Cronenberg, il principale regista dell’orrore dagli anni ’80
in poi (dunque, in teoria, non del tutto a suo agio con merletti e barbe finte),
ma che al tempo stesso è un’indagine dei lati oscuri della mente umana, e
dunque qualcosa di molto simile a un film dell’orrore. <br />
<br />
<i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><i>A Dangerous Method</i>, oltre la patina da romanzo ottocentesco, oltre
la recitazione impostata dei comunque ottimi interpreti, oltre le scenografie
eleganti e costose, è un film brulicante, carico di energia trattenuta, un
romanzo realista in bilico sull’abisso che apre alle oscurità delle mente. Per
Cronenberg è un viaggio a ritroso nei temi del suo cinema (il sesso, la furia
del desiderio, il rinnovamento della mente attraverso la violazione del corpo),
intrapreso per risalire al peccato originale di chi per primo ha indagato
l’inconscio e ne ha sperimentato gli abissi sconosciuti: gli psicanalisti
colleghi e rivali Freud e Jung e la la loro collaboratrice (e amante di Jung) <i>Sabina Spielrein</i>. <br />
<br />
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Da un punto di vista
formale, trattenuto e rarefatto com’è, con la morbidezza di movimenti di
macchina che avvolge i personaggi, è una resa dei conti con l’eredità
letteraria del cinema, il legame con l’opera e la derivazione dai romanzi
d’appendice di fine ’800, acquisita proprio negli anni in cui Freud dava avvio
alla psicanalisi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Oltre la cortina di
compostezza covano la fragilità della psiche e della rappresentazione:
quell’impulso mortifero che non porta più alla violazione della carne (come
succedeva nei capolavori di Cronenberg: <i>Videodrome</i>,
<i>La mosca</i>, <i>Il pasto nudo</i>, <i>eXistenZ</i>),
ma conduce alle soglie di un vuoto rappresentato sia in termini individuali,
come tentazione alla perversione, sia in termini storici, con gli studi dei tre
psicanalisti e i tragici eventi del primo ’900 che impongono una nuova visione
dell’umanità. Nell’unione tra la distruzione individuale e la distruzione collettiva,
il XX secolo, e con esso il cinema, poggia le basi della sua grandezza, della
sua modernità, e di conseguenza del suo spettacolare fallimento. Entrambi, Jung
e Freud, sono agenti della distruzione: anche loro, soprattutto loro, “dei
della carneficina”. E se la psicanalisi rappresenta il tentativo di dare forma
scritta, ragionata all’operato dell’inconscio, sono il romanzo e il cinema, che
su di essa hanno fondato i loro presupposti morali, il frutto impuro e
bellissimo di quel tentativo. C’è sì, in Freud e Jung, una forza individuale
studiata, compresa, e per questo tenuta a bada, ma ce n’è anche un’altra,
universale e collettiva, contro la quale non si può fare nulla. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">È chiaro che il vero
personaggio cronenberghiano è il Carl Jung di Fassbender, inseguito dalle
proprie paure e dalla propria ambizione, ma lo è altrettanto che tocchi al
Freud di Mortensen prendere coscienza dei limiti della civiltà occidentale. È
Freud che nella scena chiave del film, di fronte allo skyline di New York,
domanda all’allievo e collega: “lo sanno queste persone che stiamo portando
loro la peste?”. Perché sarà proprio da quel momento che, con l’arrivo delle
sue teorie negli Stati Uniti, sorgerà il legame virtuoso tra psicanalisi, arte
ed ebraismo alla base della cultura americana e, di conseguenza, occidentale.
“Siamo ebrei, lo saremo per sempre”, dice ancora Freud, intimando a Jung di non
atteggiarsi a Dio, di non assecondare la tentazione a scavare negli abissi
dell’inconscio, e di tenere invece desta l’attenzione verso i comportamenti
umani.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Lo scontro intellettuale
che divide i due scienziati è in fondo quello che informa l’intera cultura novecentesca.
Quello tra mito e cultura. Tra il delirio sciamanico della parola di Dio e il
controllo razionale della narrazione romanzesca. Tra la tentazione (di Jung)
della discesa alle radici del comportamento umano, fino all’essenza che porta
alla liberazione, e la saldezza culturale di Freud, che discerne la psiche e
non prova a ridefinirla atteggiandosi a divinità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Al di là di ogni rischio
didascalico, nello scontro tra segni psichici puri come quelli raffigurati da
Jung e Freud, il mistico e il razionale, il cattolico e l’ebreo, il figlio
prodigo e il padre, Cronenberg interroga l’origine dell’arte, la necessità di
interpretare il mondo attraverso la parola, trovando in un cinema romanzesco
parlato a dismisura quella forma di controllo fragile e in fondo fallimentare
che è l’unica che possediamo per continuare a raccontare e raccontarci.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Dalla conoscenza
dell’inconscio, e dalla fatale attrazione per le sue dinamiche oscure, è nata
la cultura contemporanea, poi sviluppatasi come un sogno di completezza continuamente
abortito. Nell’ironia del Freud di Mortensen non può così non esserci la
consapevolezza di un’indagine sia scientifica sia artistica tanto necessaria,
addirittura inevitabile, eppure parziale: l’unica che la nostra società abbia
sviluppato per darsi un ordine. <o:p></o:p></span></div>
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: 12pt;">Cronenberg, che per anni quell’ordine l’ha
stravolto, ora ha paura di ciò che ha visto. E con il suo film cesellato come
un romanzo dalle mille stesure sembra credere che il suo sia stato un metodo
per fare cinema straordinario, ma troppo pericoloso.</span> </span> </div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-54348807567869228892012-03-13T21:02:00.001+01:002012-03-13T21:02:22.300+01:00Il Cineocchio - 14-15 marzo<br />
<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Drive </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Nicolas Winding Refn</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-cja6XhtjrU8/Tois1Ax030I/AAAAAAAAG0U/AJOSkRkwU0U/s1600/drive+13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="166" src="http://4.bp.blogspot.com/-cja6XhtjrU8/Tois1Ax030I/AAAAAAAAG0U/AJOSkRkwU0U/s320/drive+13.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><br />
Driver
(Ryan Gosling) è uno stuntman automobilistico di Los Angeles che per
arrotondare lavora come autista per azioni criminali. Solitario, silenzioso,
precisissimo, mette a repentaglio la propria vita per aiutare la vicina Irene
(Carey Mulligan), moglie di un carcerato e madre di un bambino: prima si fa
coinvolgere in un colpo e poi comincia a saldare conti in sospeso.<br /><br />
<a name='more'></a><br /><br />
<i>Drive</i> è uno dei film simbolo del
cinema contemporaneo: un <i>action movie</i>
d’autore, un noir metropolitano pieno di citazioni dal cinema anni ’70 e ’80 (Walter
Hill, Michael Mann, il cinema d’azione di Hong Kong), diretto da un giovane
regista danese di ritorno a Hollywood dopo una prima, fallimentare esperienza,
interpretato da attori in ascesa divistica (l’impassabile Ryan Gosling, la
tenera e bellissima Carey Mulligan, la burrosa Christina Hendricks) e in
generale fondato su una malinconia di fondo che oltre al ricordo e alla
citazioni cinematografiche unisce violenza e romanticismo, morti ammazzati e
baci appassionati, etica della rinuncia ed eroismo del quotidiano.<br />
<b><br />
</b><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial;">Il quarantenne Refn, uno dei sicuri
registi del futuro, già vincitore con questo film del premio alla Miglior regia
a Cannes, con <i>Drive</i> non ha deluso le attese
di chi già lo seguiva da tempo: stuntman per il cinema e pilota per la
criminalità, il suo protagonista senza nome (al quale il nuovo sex symbol Gosling
offre una maschera straordinariamente impassibile) ci guida in una città
inospitale che il cinema ha reso mitica, dove l’amore è solo potenza e dove la
tenerezza e lo spirito paterno stanno nella stessa inquadratura della violenza
iperrealista, del parossismo vendicativo che rasenta lo splatter.<span class="apple-converted-space"> </span><br />
</span><br />
<span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial;"><br />Su tutto, poi, si
percepisce in ogni sequenza una dose massiccia di cinefilia e nostalgia
spettatoriale, la rilettura colta e al tempo stesso appassionati di decenni di
passione cinematografica: dalle<span class="apple-converted-space"><i> </i></span><em><span style="font-family: Garamond, serif;">Iene</span></em><span class="apple-converted-space"><i> </i>di
Tarantino<i> </i></span>(evocate nei nomi Blanche e Bernie Rose) ai grandi arrabbiati
degli anni ’70, dai tragitti malati del tossico </span><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-image: initial; background-origin: initial;">Abel Ferrara al moralismo di
Schrader, fino addirittura al melodramma classico di Sirk e ai videoclip anni ’80
(si veda la bella scena della corsa nel canale asciutto di Los Angelese). Come
estremo modello si arriva poi a quello più nettamente percepibile:<span class="apple-converted-space"> </span>quello cioè di </span>Michael
Mann, rievocato fin a parte da <i>Strade violenti</i> a <i>Heat – La sfida</i>
nelle immagini riflesse, nella coreografia dell’azione, nel sottotesto
esistenziale. <br />
<br />
Quello di Refn, insomma, è un gioco serio e al tempo stesso divertito, forse
calcolato: se da un lato ci regala le migliori sequenze d’azione degli ultimi
anni, dall’altro indugia su un “ricatto estetico” che forza l’emozione dello
spettatore, che mette in scena corpi belli, moderni, seduttivi per inscenare un’elegia
della sconfitta e della violenza che come sempre vive della propria ambiguità. <br />
<br />
Refn sa essere creativo pur essendo derivativo, ha un senso dell'inquadratura
notevole e sa dislocare le figure nello spazio in modo tale da creare legami
prima di tutto visivi e solo in un secondo momento narrativi. Ma al tempo
stesso si percepisce qualcosa di calcolato e non così trasparente nel suo
tentativo di richiedere al pubblico l'innocenza dello sguardo e contemporaneamente
la sua consapevolezza: perché è proprio lì, in un’azione istintiva e calcolata,
naif e vintage, dura e malinconica, che si percepisce la tipica passionalità contemporanea,
che ha bisogno di vedersi assolta e mai messa in discussione. Un film come <i>Drive</i>, in definitiva, evoca furori
appassionati e amori disperati, gioca sull’adesione emotiva non del cuore, ma
del ricordo, fondandosi in modo anche illuminante, folgorante, ma al tempo
stesso un po’ furbetto su un’idea di cinema estetizzante e riconoscibile.</div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-26512579493809215562012-03-05T09:21:00.003+01:002012-03-05T09:22:42.375+01:00Il Cineocchio: 7-8 marzo<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Io sono Li </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Andrea Segre</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://m2.paperblog.com/i/58/588464/io-sono-li-L-JKqlCX.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="197" src="http://m2.paperblog.com/i/58/588464/io-sono-li-L-JKqlCX.jpeg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><br />
<div style="text-align: left;">
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><span style="font-family: inherit;">Shun Li lavora in un laboratorio tessile della
periferia romana per ottenere i documenti e riuscire a far venire in Italia suo
figlio di otto anni. All’improvviso viene trasferita a Chioggia, una piccola
città isola della laguna veneta per fare la barista in un’osteria. Bepi,
pescatore di origini slave, soprannominato dagli amici “il Poeta”, da anni
frequenta quel piccolo locale. L’amicizia tra Shun Li e Bepi turba le due
comunità, quella cinese e quella chioggiotta, che ostacolano questo nuovo
viaggio, di cui forse hanno semplicemente troppa paura.</span></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><i><o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
</div>
<a name='more'></a><br />
<span style="font-family: inherit;">Il primo lungometraggio
di finzione del regista veneto </span><b style="font-family: inherit;">Andrea Segre</b><span style="font-family: inherit;">, affermato e apprezzato documentarista,
è uno dei film italiani più sorprendenti della stagione. È un film ben scritto,
ben girato, meravigliosamente recitato da attori professionisti e altri
all’esordio nel cinema; un film </span><span style="color: #1a1a1a; font-family: inherit;">che racconta il qui e ora del
nostro paese, i suoi mutamenti culturali e le sue paure, le sue piccole
ricchezze e le sue grandi difficoltà, con il massimo dell’intelligenza e della
delicatezza.</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />Protagonista assoluta del
film è la cittadina di provincia al centro di una storia d’amore onesta e purtroppo
“pericolosa”, Chioggia, la sua laguna e il suo clima umido, onnipresente
personaggio fatto d’acqua. È l’acqua, infatti, che cresce, che inonda le vite
di chi passa i giorni al bar a bere qualche “ombra”, che annaffia le paure di
una comunità poco abituata al nuovo, che irriga il senso di solitudine di chi
non ha più molto da chiedere al giorno successivo. Cala e scopre sentimenti
ignorati, rinfresca i corpi che invecchiano, fa crescere rimpianti e rinascere
semplici piaceri quotidiani.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />Un giorno la marea porta
Shun Li nella vita di un gruppetto di avventori di una osteria di pescatori.
Lei, giovane cinese, in un ritrovo per chioggioti abitudinari nelle cui vene
scorre solo l’acqua della laguna. È l’invasione che arriva. La superpotenza
straniera che colonizzerà i canali e assoggetterà gli abitanti del posto. Se da
un lato chi dovrebbe allargare le braccia e lasciar entrare chi ha bisogno e
voglia di migliorare la sua condizione, alza muri invalicabili, comunque
dall’altro gli “ospiti” non fanno di meglio, e a loro volta si attorcigliano su
se stessi, col risultato che chi si trova nel mezzo è stritolato.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><b><br />Segre</b> racconta di una
realtà dove si ragiona per luoghi comuni e pregiudizi, di un mondo dove è la
diffidenza a dare senso a tutto. La malizia e il timore del prossimo arrivano
prima dell’accoglienza e della solidarietà. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />L’unico personaggio che
non sente aderire su di sé l’odore salmastro della laguna, e con sincerità fa
quello che tutti dovrebbero fare, è il poeta Bepi. Bepi parla con Shun Li come
con chiunque altro essere umano al mondo e, nella semplicità di un incontro
disinteressato, si accorge che a migliaia di chilometri di distanza si pesca
come a Chioggia, che la nostalgia di casa si sente dappertutto e che chi è solo
e straniero è in questa condizione in ogni angolo del pianeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Tutto questo senza alcuna
retorica, in scene madri sussurrate, brevi frasi tra cinese e dialetto
veneziano, con silenzi e piccoli gesti, mentre la laguna scandisce i tempi e
l’acqua si confonde con timide lacrime.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span style="font-family: inherit;"><br /><br />Note di regia di Andrea Segre <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Dal <a href="http://www.iosonoli.com/">sito ufficiale</a> del film. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">L’idea del film nasce da
due esigenze: da una parte la necessità di trovare in una storia, allo stesso
tempo realistica e metaforica, il modo per parlare del rapporto tra individuo e
identità culturale, in un mondo che sempre più tende a creare occasioni di
contaminazione e di crisi identitaria; dall’altra la voglia di raccontare due
luoghi importanti per la mia vita e molto emblematici nell’Italia di oggi: le
periferie multietniche di Roma e il Veneto, una regione che ha avuto una
crescita economica rapidissima, passando in pochissimo tempo da terra di
emigrazione a terra di immigrazione.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In particolare, Chioggia,
piccola città di laguna con una grande identità sociale e territoriale, è lo
spazio perfetto per raccontare con ancora più evidenza questo processo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br />Ricordo ancora il mio
incontro con una donna che potrebbe essere Shun Li. Era in una tipica osteria
veneta, frequentata dai pescatori del luogo da generazioni. Il ricordo di
questo volto di donna così estraneo e straniero a questi luoghi ricoperti dalla
patina del tempo e dell’abitudine, non mi ha più lasciato. C’era qualcosa di
onirico nella sua presenza. Il suo passato, la sua storia, gli spunti per il
racconto nascevano guardandola. Quale genere di rapporti avrebbe potuto
instaurare in una regione come la mia, così poco abituata ai cambiamenti? Sono
partito da questa domanda per cercare di immaginare la sua vita.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;"><br /><b>Io sono Li</b><i> </i>è anche un punto di sintesi del mio percorso registico nell’ambito
del cinema-documentario, attraverso cui mi sono occupato negli ultimi dieci
anni principalmente di due temi: le migrazioni verso l’Europa (<b>A metà</b>, <b>A sud di Lampedusa</b>, <b>Come un
uomo sulla terra</b>,<b> Il sangue verde</b>)
e il territorio sociale e geografico del Veneto (<b>Marghera Canale Nord</b>, <b>Pescatori
a Chioggia</b> e <b>La mal’ombra</b>).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Le varie esperienze di
regia con il cinema documentario mi hanno permesso di apprezzare il racconto
non solo del reale, ma anche nel reale, aiutandomi a capire come con esso sia
possibile scoprire la dimensione intima e profondamente umana della realtà,
anche di tematiche urgenti ed attuali della società odierna.<br /><br /><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">In <b>Io sono Li</b><i> </i>ho voluto rispettare modi e stili conosciuti nel
cinema-documentario, lavorando anche con attori non professionisti e scegliendo
sempre location del mondo reale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">Al tempo stesso la
precisione e la sottigliezza del linguaggio cinematografico orientale e di
alcuni importanti esempi del cinema indipendente internazionale sono state
tracce importanti per riuscire a raccontare le atmosfere e i luoghi che ho
scelto per questo film.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: inherit;"><b>Andrea
Segre</b></span></span>
</div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-60963378145796463772012-02-28T10:06:00.000+01:002012-02-28T10:08:27.649+01:00Il cineocchio: 29 febbraio - 1 marzo<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">L'amore che resta </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Gus Van Sant</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/it/c/c2/Restless_2011.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/it/c/c2/Restless_2011.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="text-align: left;"><br /><span style="font-family: inherit;"><b>Sinossi</b></span></span><span style="font-family: inherit; text-align: left;"><br />Durante una delle veglie funebre a cui partecipa quotidianamente, il giovane orfano
Enoch incontra la coetanea Annabel, bellissima e solare nonostante sia affetta
da un male incurabile. Tra i due ragazzi nasce un amore intenso e fragile, che
insegna al solitario Enoch, il cui unico amico è il fantasma di un soldato
giapponese, la preziosa bellezza della vita.</span><i style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"></span></i><br />
<a name='more'></a><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;"><i>L’amore che resta</i>, strana versione italiana dell’originale <i>Restless </i>(chissà, forse i distributori hanno
pensato all’assonanza tra <i>rest </i>e <i>restare</i>, quando invece il significato
del titolo è “senza tregua”, “inquieto”), è un esempio contemporaneo di
melodramma hollywoodiano, argomento molto delicato per il cinema contemporaneo.
Perché a Hollywood il melodramma non viene più praticato come genere a sé, ma
come sottotraccia di altri racconti, di altre storie, di altre atmosfere. Il
melodramma scorre in quasi tutta la produzione <i>mainstream</i>, nelle commedie come nei film d’azione o in quelle
drammatici (pensiamo ad esempio a <i>Inception
</i>o a <i>Il curioso caso di Benjamin
Button</i>), ma non viene quasi mai affrontato direttamente, come storia
d’amore e di morte, di impedimento e di sofferenza psicologia. <o:p></o:p></span></span></div>
<span style="text-align: left;">
</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="text-align: left;"><br /></span></div>
<span style="text-align: left;">
</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;">Con <i>L’amore che resta</i>, invece, Van Sant riporta il melodramma in
superficie, ne affronta la dimensione malinconica e funebre con una storia di
amore impedito dalla morte, una storia di fantasmi reali e fantasmi della
mente, di funerali e di ospedali, di luoghi oscuri dove fare l’amore e altri
alla luce del sole dove vivere la malattia. La bellezza del film sta nella sua
semplicità: è una produzione indipendente e al tempo stesso hollywoodiana
(formula ormai tipica per le produzioni medio-alte), un <i>teen movie </i>potenzialmente influenzato dall’estetica dei vampiri
emaciati alla <i>Twilight</i>,<i> </i>fondato per questo motivo sul carino, il
minimale, il vintage, eppure ha il sapore di un film classico pieno di
particolari, di oggetti, di dialoghi sottili e di personaggi e di situazioni
cariche di simbologia (i funerali rituali, il fantasma del soldato giapponese,
la ragazza che salva il suo amore sacrificando la propria vita, l’orfano che accompagna
verso la morte). In un contesto che ha sdoganato il cinismo sentimentale o la
sua controparte dolciastra, Van Sant realizza così una sorta di risarcimento
per quei sentimenti universali e spesso banali - l’amore, la paura, la speranza
- che il melodramma ha sempre rappresentato in modo sincero.<o:p></o:p></span></span></div>
<span style="text-align: left;">
</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="text-align: left;"><br /></span></div>
<span style="text-align: left;">
</span><br />
<div class="MsoNormal">
<span style="text-align: left;"><span style="font-family: inherit;">Con <i>L’amore che resta</i>, inoltre, Van Sant, regista da una quindici d’anni
sospeso fra underground e industria, fra <i>Belli
e dannati </i>e <i>Milk</i>, fa finalmente i conti con la tendenza
hollywoodiana del suo cinema. Tutto nel film come la canzone <i>Happy Birthday </i>del cantante americano
Sufjan Stevens (uno dei simboli della cultura indie) che si ascolta durante il
film: dolce e infinitamente triste, <i>I’m
happy e I’m sorry</i>, felice e dispiaciuto… Un’altalena di emozioni che sulla
scena arriva come un sentire unico, la condizione insicura e ideale di un’adolescenza
splendida perché effimera, pura perché costretta a fare i conti con la malattia
e la morte. Quello che resta sull’asfalto dei due nuovi piccoli eroi di Van
Sant non è nemmeno più un corpo, come succedeva nel celebre finale di <i>Belli e dannati</i>, è una traccia in gesso
che ritaglia la sagoma di chi è in vita ma flirta con l’aldilà e di chi sa di
morire e fa di tutto per vivere. <o:p></o:p></span></span></div>
<span style="text-align: left;">
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: inherit;">La simbologia è evidente,
forse scontata, e fa parte della necessità di ricorrere a uno stile classico per
parlare oggi di giovinezza con i canoni di un underground che nel frattempo è
diventato <i>indie</i> e ha interpretato la
controcultura secondo un individualismo fragile e sussurrato. I personaggi di
Van Sant, anche se cupi e condannati, sono solo belli, non più dannati, e alla
deriva della droga preferiscono l’intimità di un rifugio personale, con il
corpo che rimane ancora disteso ma inquadrato dall’alto, non in campo lungo, escludendo
l’orizzonte dall’inquadratura e togliendo allo spettatore il conforto della
strada e delle nuvole in viaggio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span class="st"><span style="font-family: inherit;">Se per caso, insomma, ci si è mai chiesti perché a un certo
punto della sua carriera Van Sant abbia scelto di guardare anche a Hollywood,
ora possiamo intuirne il perché: per non cadere nella trappola della
confezione, per tenere in vita il suo cinema con l’onestà e la pulizia di un racconto che non ha paura dell’ovvio,
dell’amore impossibile, della morte giovane, del dolore compiaciuto, per
parlare dell’universale.</span></span></div>
</span></div>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-2715960682956034852012-02-20T13:37:00.000+01:002012-02-20T13:40:42.972+01:00Il Cineocchio - 22 e 23 febbraio<br />
<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Miracolo a Le Havre </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Aki Kaurismäki</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<a href="http://www.film-review.it/gallery/7327/zoom/miracolo_a_le_havre_3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="211" src="http://www.film-review.it/gallery/7327/zoom/miracolo_a_le_havre_3.jpg" width="320" /></a><br />
<div style="text-align: -webkit-auto;">
<span style="text-align: left;"><br /><b>Sinossi </b><br />
Marcel Marx è un uomo semplice, un ex-scrittore ritiratosi a Le Havre a fare il lustrascarpe insieme alla moglie Arletty. I
suoi giorni scorrono tranquilli, finché una serie di accadimenti metteranno
alla prova la sua calma: l'arrivo nella sua vita di un immigrato dall'Africa
nera, l'ammalarsi della sua amata e il duro scontro con il sistema
costituzionale occidentale. Tuttavia, il suo ottimismo non sembra cedere e il
buon cuore degli abitanti del suo quartiere aiuterà non poco...<br />
<span style="text-align: left;">
</span></span></div>
<div style="text-align: left;">
<b><br /></b></div>
<span style="text-align: left;">
<a name='more'></a><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;"><i>Miracolo a Le Havre </i>è un capolavoro di leggerezza e bellezza, un film
politico e utopico di grande attualità. Come ogni altro lavoro di Kaurismäki, è
un film unico, fuori da ogni estetica imperante, realizzato da un regista
geniale che gira in modo indipendente e da anni dà vita a un discorso di
straordinaria coerenza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Il grande pregio del
cinema Kaurismäki, infatti, è sempre stato quello di essere profondamente
autentico e sincero. Il suo è un cinema che non utilizza artifici né doppiezze,
che dice esattamente quello che vuole dire. E in un’epoca nella quale sincerità
fa sempre più rima con leggerezza, sorprende la capacità del regista finlandese
di risultare spontaneo, elegante e rivoluzionario. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Sono molte le tipicità
del cinema di Kaurismäki che emergono nella pellicola: ma al di là
dell’ambientazione nei quartieri popolari di una città francese, dei personaggi
anziani e puri, delle situazioni narrative segnate da un’ironia ingenua e
fanciullesca, ciò che colpisce più di tutto è l’immutata volontà del regista di
mandare con il suo cinema lineare eppure feroce un messaggio politico. La nota
militanza dell’autore, come sempre stemperata dall’incedere morbido del
racconto, dà vita a una rappresentazione mai eccessiva, eppure potente, di un
mondo indifferente al quale non importa misurarsi con ciò che lo circonda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Ce l’ha con l’Europa,
Kaurismäki. Ce l’ha con un sistema globale che privilegia il denaro e dimentica
le persone e con un apparato sovranazionale che utilizza i mezzi della legge
per escludere invece che per accogliere. Ma soprattutto ce l’ha con la società
contemporanea, una società che crede nei miracoli senza rendersi conto delle
tragedie che accadono ogni giorno. Perché, nonostante il titolo italiano, nel
film di miracoli non ce ne sono: forse perché, come dice Arletty al proprio
medico, i miracoli non accadono nei quartieri come il suo o forse perché la
semplice esistenza di un quartiere così è già molto più di un miracolo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Ed è in effetti un
luogo senza tempo, il piccolo sobborgo nel quale la storia è ambientata. Sin
dall’inizio del film Kaurismäki si preoccupa di assegnargli un posto al di
fuori della realtà quotidiana. E lo fa riempiendo di materiali e oggetti dallo
stile antico e vagamente rétro tutta la scena; elementi che si scontrano,
giocoforza, con i simboli di quella modernità che vive al di fuori del quartiere
(il centro città, i container delle merci, il porto…).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-family: inherit;">Se Kaurismäki
introduce l’inconciliabilità tra i mondi a cui sta dando vita, nel finale,
quando ci mostra Monet il poliziotto (e tutto quello che egli rappresenta)
aggirarsi tra le viuzze e infilarsi nel bar del quartiere, sancisce di fatto
che il lieto fine non è dato tanto dall’armonia ritrovata e nemmeno dalla
“miracolosa” guarigione di Arletty, ma dalla possibilità che le cose cambino e
che il mondo vero possa diventare un po’ più come quello solo immaginato.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<span style="font-size: 12pt;"><span style="font-family: inherit;">Un mondo che Kaurismäki costruisce partendo dall’amore
totale che ha per il cinema. E anche la scelta di girare a Le Havre, in questo
senso, non è affatto casuale. Non solo perché la città normanna ospita un
grande porto (elemento irrinunciabile nei film del regista) ma anche perché
risiede nella patria del cinema per eccellenza: la Francia. Ed è proprio il
grande cinema francese che Kaurismäki intende omaggiare con questo film e non
solo per via dell’ambientazione. Elegantemente fusi nel côté della pellicola
troviamo infatti lo stile antieroico e un po’ partigiano di Melville, la
candida umanità di Renoir, il realismo asciutto di Bresson. Ma non mancano le
suggestioni legate alla Nouvelle Vague e soprattutto l’omaggio alla leggendaria
Arletty, simbolo non solo di un certo cinema, ma anche di un’epoca e di una
nazione.</span></span></span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-74735561254291865912012-02-14T06:30:00.000+01:002012-02-14T06:30:00.297+01:00Cineocchio - 15-16 febbraio<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Melancholia </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Lars Von Trier</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.picturenose.com/wp-content/uploads/melancholia-lars-von-trier.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="160" src="http://www.picturenose.com/wp-content/uploads/melancholia-lars-von-trier.jpg" width="200" /></a></div>
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<b style="text-align: left;">Sinossi</b>
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Ricca, bella e depressa, Justine abbandona il marito durante la festa di matrimonio. Nei giorni che seguono, la sorella maggiore Claire cerca di sollevarle il morale, ma una strana congiuntura astrale minaccia l’esistenza della Terra e la paura contagia ogni altro sentimento.
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<a name='more'></a><br />
Presentato in concorso all’ultimo festival di Cannes e diventato un caso più politico dopo le dichiarazioni del regista in conferenza stampa (le famose e tristi esternazioni sulla sua comprensione del nazismo), <b>Melancholia</b> è un dramma psicologico e simbolico giocato sull’opposizione tra due personaggi femminili molto intensi, due sorelle, una bionda e una bruna, una depressa e una insicura, una spietata come la natura, una fragile come la grazia, che si prendono entrambe un pezzo di film. <br />
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Introdotto da una bellissima sequenza d’animazione in digitale che ne sintetizza il racconto, eliminando qualsiasi forma di pathos o sorpresa, il film è pensato come un dittico, con i suoi due capitoli intimamente connessi che si guardano e riflettono. <br />
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Il primo è dedicato a Justine, interpretata da <b>Kirsten Dunst</b>. Si è da poche ore sposata, sembra felice: una candida limousine, lo sposo sorridente, il ricevimento in una elegante villa, tutto sembra coincidere con l’espressione spensierata e felice di Justine, bella e radiosa reginetta sposina. Ma questa non è che la coagulatio il cui punto estremo coincide con la disgregazione totale. L’inizio della fine viene inaugurato dai genitori di Justine nel momento del discorso ufficiale rivolto alla nuova vita della figlia. Il padre, un personaggio piuttosto imbarazzante, si rivolge alla sposa con una sfilza di banalità poco convincenti che innescano la brusca reazione da parte della madre che dichiara ufficialmente il suo disprezzo per il matrimonio e le sue false illusioni. Silenzio nella sala, gli ospiti raggelati e il tentativo di alcuni componenti della famiglia di mantenere la situazione sotto controllo, tutto ciò non può che ricordare il precedente <b>Festen </b>del danese <b>Thomas Vinterber</b>g (amico e collaboratore di <b>Von Trier</b>). Da questo momento tutto precipita, la sposa s’assenta in continuazione, quando vaga tra gli ospiti il suo viso pur nascosto da forzati sorrisi è spento, la sua mente assente. Lo sposo si fa goffo, stucchevole nelle sue prospettive di felicità. Dissolutio. Il matrimonio fallisce il giorno stesso del suo suggello.
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La seconda parte del dittico è dedicato alla sorella della sposa, Claire, interpretata da <b>Charlotte Gainsbourg</b>. Nel capitolo precedente era l’organizzatrice del ricevimento, colei che cercava di mantenere ordine, di far sì che la sposa fosse sposa e non vittima della sua propria scelta. Claire era l’espressione della disciplina e della forza. Anche qui inizialmente sembra esserlo, accudisce la sorella caduta in una profondissima depressione. Ma il comparire di una presenza esterna minacciosa, un pianeta errante destinato a distruggere la Terra, le farà perdere qualsiasi stabilità psichica, come se questa mania di ipercontrollo sulla propria vita e quella altrui non fosse altro che un modo di nascondere profonde insicurezze e malesseri. Justine, invece, nella sua malinconica accettazione della morte imminente, saprà andare incontro all’annientamento con dolorosa serenità e accettazione. <br />
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Le due sorelle non sono altro che la rappresentazione in estrema sintesi dei caratteri umani, e le due figure sembrano coincidere con la dicotomia a cui giunge Jung nel suo studio sui tipi psicologici, da una parte il tipo estroverso tutto proiettato sulla realtà esterna (Claire) e dall’altra il tipo introverso rivolto invece al proprio mondo interiore (Justine). Insieme, rappresentano l’eterno scontro tra la natura (Justine) e la grazia (la Claire), curiosamente gli stessi poli attorno a cui è costruito <b>The Tree of Life </b>di Terence Malick.
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Il pianeta Melancholia, emblema della fine della vita e della speranza, è la costante angosciosa che percorre tutto il film, un tema ricorrente che come in una sinfonia riappare da un movimento all’altro. E qualcosa d’orchestrale c’è davvero, le immagini del pianeta in avvicinamento sono sempre precedute e accompagnate dalle note del preludio del<b> Tristano e Isotta</b> di Wagner, e non si tratta di una musica catastrofica, apocalittica, da fine dei tempi bensì sembra esprimere una malinconica accettazione del susseguirsi degli eventi. <br />
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E dopo l’apologo sessista <b>Antichrist</b>, il cinema di Von Trier (tanto provocatorio e stupido nella vita, quanto profondo e sorprendente nei film che gira) compie un passo avanti, non così distruttivo come sembrerebbe: Von Trier: la donna, insomma, è il futuro dell’uomo, ma il futuro della Terra è il suo annichilimento. E poi, forse, la sua rinascita.Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-58107376656046849372012-02-11T00:30:00.000+01:002012-02-11T00:30:00.092+01:00<span style="font-size: x-large;">Il Nucleo vi dà appuntamento alla prossima stagione e vi invita a seguire dalla prossima settimana <a href="http://cinecircolo.blogspot.com/2012/01/il-cineocchio-2012.html"><span style="color: orange;">Il cineocchio</span></a>: primo film in programma, mercoledì 15 e giovedì 16 febbraio, <span style="color: orange;">Melancholia</span> di Lars Von Trier.</span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-71929939963227158562012-02-06T22:11:00.003+01:002012-02-06T22:12:28.866+01:00Film della settimana - 8 febbraio<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Poetry </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> Lee Chang-dong</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/_PM1ZKIZPNOM/TJgKSTdRXmI/AAAAAAAAC9I/TBpez6sAfDU/s1600/Poetry_2-web.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="133" src="http://1.bp.blogspot.com/_PM1ZKIZPNOM/TJgKSTdRXmI/AAAAAAAAC9I/TBpez6sAfDU/s200/Poetry_2-web.jpg" width="200" /></a></div>
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<b style="text-align: left;">Sinossi</b><span style="text-align: left;"><br />Un’anziana donna, affetta dal morbo di Alzheimer e giunta alla fine dei suoi giorni, cerca di dare un altro senso alla sua esistenza rifugiandosi nella poesia. Le rime e i versi sembrano oramai essere una delle poche cose fondamentali nella sua vita, soprattutto dopo il drammatico avvenimento che ha segnato la sua esistenza: l’amato nipote affidato alle sue cure è coinvolto nell’aggressione di una compagna di scuola che, in seguito, si è suicidata.</span><br />
<a name='more'></a><span style="text-align: left;"><br /></span><br />
<span style="text-align: left;">Uscito a sorpresa nelle sale italiane la scorsa estate, dopo un passaggio al Festival di Cannes nel 2010, il sudcoreano <b>Poetry</b> è l’ultimo film di uno dei massimi registi del suo paese, <b>Lee Chang-dong</b>: un autore sconosciuto al pubblico italiano, ma pluripremiato in manifestazioni internazionali e considerato un vero e proprio maestro. <br /><br />Nel film ci sono tutti i temi cari al regista: la constatazione di abitare in un mondo distorto, la negazione del diritto alla serenità, il sentimentalismo appena accennato e bloccato a un passo dallo sfociare nel melodramma, l’ossessione per immagini di quiete sociale che nascondono abissi di dolore. <br /><br />Ambientato in una placida cittadina della provincia coreana, immerso in un clima ideale e guidato dalle movenze stanche di un vecchietta tenera di cuore, al contrario delle sue iniziali apparenze <b>Poetry</b> è un vero pugno nello stomaco: uno schiaffo morale, un racconto spietato che parla di memoria e responsabilità, di bellezza e fallimento, ambiguo perché racchiuso nella mente disturbata dall’Alzheimer.
Il tema è fortissimo e cozza volutamente con la messinscena naturalista e luminosa, pronta al tempo stesso a fare del buio il vero sfondo della sua realtà. Controllato e al tempo stesso eccessivo, scioccante nella sua esibita normalità pronta a essere ribaltata, il film si interroga sui limiti dell’orrore nella società degli uomini, gettando in faccia allo spettatore l’insieme di ipocrisie che si dipanano nel nome della stabilità. <br /><br />La poesia, affrontata dalla protagonista come un insieme di velleità sentimentali e sfocate, non è solo compassione e consolazione: è anche un metodo per guardare e capire. L’unico forse che possa aiutare una povera signora ammalata a venire a patti con l’inaccettabile. Il tutto raccontato pacatamente, per cerchi concentrici, lasciando il male sullo sfondo per dedicarsi al quotidiano, le serate poetiche, la Natura.
<br /><br /><b>Lee Chang-dong</b> ha il coraggio dei silenzi, delle pause, delle inquadrature fisse e dei panorami che da geografici si fanno interiori, come se lo stile riflettesse la coscienza della donna e trovasse nella sua figura e nelle sue parole un nuovo rapporto tra vita e morale. Non è un mélo, <b>Poetry</b>, non fa piangere, e quasi quasi arriva a un lieto fine (o quanto meno, a un giusto fine). <b>Lee Chang-dong</b> poteva affrontare questa storia in tanti modi, compreso quello neorealista a lui caro e per certi versi consono a questo escamotage narrativo, invece decide di inquadrare questo spaccato della società di provincia coreana all’interno di una riflessione più alta. Da una parte una realtà squallida e inaccettabile, dura e cruda, che dice molto dei giovani nella Corea di oggi, dall’altra una condizione di vecchiaia che porta un allontanamento da quella stessa realtà, sfumandola attraverso la perdita della memoria.
Diceva il poeta russo Kataev che il senso della poesia è dare un nome alle cose. Ecco, immaginiamo allora quale necessità assume tutto ciò per una persona che sta perdendo pian piano il nome delle cose</span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-28920445143822536042012-01-31T09:44:00.000+01:002012-01-31T09:45:39.848+01:00Film della settimana - 1 febbraio<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Venere nera </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span style="font-size: x-large;"> </span><span style="font-family: inherit; font-size: x-large;">Abdellatif
Kechiche</span><br />
<span style="font-size: x-small;"><br /></span><br />
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<a href="http://www.milanofestival.it/public/cinema/images/793/793-3385_venere-nera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="219" src="http://www.milanofestival.it/public/cinema/images/793/793-3385_venere-nera.jpg" width="320" /></a></div>
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<b style="text-align: left;">Sinossi</b><span style="text-align: left;"><br />Londra, inizio del XIX secolo. Saartjie Baartman è una donna sudafricana appartenente al popolo dei Khosan che, a causa del fisico prominente e di particolari organi genitali, viene esposta nelle fiere come un fenomeno da baraccone. Trasferitasi a Parigi con il suo “padrone”, diventa prima il trastullo osceno della borghesia, poi l’oggetto di studio degli scienziati e infine una prostituta gravemente malata. Morta il 29 dicembre 1815, verrà conservata ed esposta come calco in gesso (con il cervello e i genitali in formaldeide) per quasi due secoli al Musée de l’Homme, prima di essere restituita al Sudafrica nel 2002.
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<a name='more'></a><br />
Dopo il premiato <b>Cous cous</b>, uno dei film più importanti degli ultimi anni, folgorante racconto sulle nuove radici multiculturali dell’Europa, il francese <b>Abdelatif Kechiche</b> racconta la storia vera della “venere ottentotta” Saartjie Baartman, giovane ragazza sudafricana che all’inizio del XIX secolo per mano bianca e guinzaglio del nascente show business divenne fenomeno da baraccone tra Londra e Parigi. Magnifico e terribile, <b>Venere nera</b> è una discesa agli inferi dello sfruttamento voyeuristico e dell’esotismo razzista, una potente riflessione sullo sguardo e le sue miserie collettive. <br />
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Spietato come nei suoi film precedenti, <b>Kechiche</b> non prende la scorciatoia dell’emozione, mantiene il cinema a un livello di impegno e sfida allo spettatore: mostra i corpi con la distanza dello scienziato e del polemista, facendone una questione sgradevole di primi piani ossessivi di carne, seni sgualciti, mani e bocche protese per toccare, sguardi voraci che si duplicano e s’intendono tra schermo e platea. Quasi come se fosse il film a guardare lo spettatore, e non viceversa, <b>Venera nera</b> è un atto d’accusa contro la pornografia dello sguardo e il razzismo delle pulsioni: in tal senso, per quanto ostico, ossessivo, esagerato, a tratti insostenibile, è un film di straordinaria modernità. Anzi, proprio in virtù della sua dimensione sinistra e greve, si impone come un’opera necessaria. <br />
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Passando dai bassifondi alla Dickens alla mondanità libertina alla De Laclos fino alla prostituzione che regala alla Traviata nera una mortal sifilide, il film procede per larghi blocchi narrativi, capitoli di un racconto dominato dagli occhi umili e infelici di una migrante costretta ad aprir le gambe davanti a uomini illustri dell’accademia. Uno stupro visivo che ora chiede postumo risarcimento. Animato dall’interno dalla straordinaria non professionista Yahima Torrès, il film porta sul banco degli imputati la civiltà occidentale e la cultura del pregiudizio senza far morale né pronunciar sentenze ma indagando come una gastroscopia collettiva, partendo dalla carne, uno spirito ancora più malato.
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<b>Venere nera</b> è un’opera a tesi, esplicita e politica. Tunisino da tempo insediatosi in Francia, <b>Kechiche </b>non si è mai del tutto rassegnato all’idea di tolleranza che la ricca Europa ha riservato alla lontana Africa, e in questo caso torna a strabordare come in La schivata, con le dinamiche di potere e schiavitù innescate dallo sguardo che si appropriano di un’estenuante estetica dell’eccesso. <b>Venere nera</b> risale all’origine della società dello spettacolo e ne scopre l’immoralità: nel legame tra la voracità dell’occhio e la fragilità del corpo umano individua la nascita del capitalismo, il suo dominio e soprattutto il suo sopruso economico e culturale. <br />
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Ambientato a inizio XIX secolo, nel periodo in cui si gettavano le basi del futuro colonialismo imperialista delle potenze europee, il film racconta il connubio tra politica economica, teatro spettacolare e, di rimando, cinema, nel segno di una violenza che non è solo fisica, ma anche sottile e invisibile: <b>Kechiche</b>, insomma, ci va giù pesante e non lascia spiragli di redenzione per la nostra cultura.
La sua rabbia è onnicomprensiva e per quanto cieca, ci vede benissimo. Giocato sulla ripetizione, condannato dalle sue intenzioni a mostrare la violenza dell’occhio come gesto ignaro ma omicida, <b>Venere nera</b> getta in faccia allo spettatore la tragedia umana di una donna impotente e sola, trasformata nell’emblema delle future violenze reali o mediatiche del XX secolo. Dai <i>freak show</i> di fine ’800 deriva infatti il voyeurismo contemporaneo, che ci porta a guardare con affascinato orrore i corpi dell’Olocausto, gli effetti del napalm sui corpi delle bambine vietnamite o le decapitazioni in streaming di qualche gruppo fondamentalista. Tutto vero e tutto ancora più spaventoso in quanto rivolto dal cinema contro se stesso – contro una intrinseca e inestirpabile barbarie dello sguardo.Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4760972935393778229.post-67834408026217654952012-01-24T09:19:00.002+01:002012-01-24T09:20:52.286+01:00Il film della settimana - 25 gennaio<br />
<b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">Cirkus Columbia </span></b><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;">di</span><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large;"> Danis Tanovic</span><br />
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<a href="http://images.movieplayer.it/2010/09/06/una-scena-del-film-cirkus-columbia-174089.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="http://images.movieplayer.it/2010/09/06/una-scena-del-film-cirkus-columbia-174089.jpg" width="320" /></a></div>
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<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b>Sinossi</b><span style="font-family: inherit;">Bosnia-Erzegovina, 1991. Il regime comunista è
caduto e Divko Buntic, dopo aver passato vent’anni in esilio in Germania, torna
nel piccolo paese natale per rivendicare la casa di famiglia. Il suo arrivo
attira la curiosità dei compaesani, dal momento che l’uomo si presenta con una
Mercedes fiammante, una fidanzata giovane e sexy e un pacco di marchi tedeschi.
Soprattutto, Divko arriva per rovinare la vita alla moglie Lucija, con la quale
non si parla da anni: con l’aiuto del cugino Ivanda, appena nominato sindaco,
riesce a sfrattare dalla sua proprietà la donna e il figlio Martin, salvo poi
cercare di riallacciare i rapporti. La nuova libertà dopo il regime di Tito
porta euforia nel paese, ma la guerra civile è in agguato e nemmeno i soldi di
Divko potranno fermarla.</span></div>
<span style="font-family: inherit;"></span><br />
<a name='more'></a><span style="font-family: inherit;"><br />Dopo due film dall’esito poco
brillante, il francese <b>Enfer</b>,
realizzato a partire da un’idea di Kieslowski, e il britannico <b>Triage</b>, pasticciato racconto di guerra
internazionale, il bosniaco <b>Danis Tanovic</b>, la cui opera prima <b>No Man’s Land</b><i> </i>aveva conquistato nel 2002
l’Oscar al miglior film straniero, è tornato a girare in patria e a parlare
delle cose che meglio conosce e capisce: i conflitti etnici della sua terra, le
ferite mai rimarginate di scontri tra fratelli cominciati decenni prima della
Prima guerra mondiale, dell’invasione nazista, dell’arrivo del comunismo e
della guerra civile.</span><span style="font-family: inherit;"><br />A partire da un romanzo
del connazionale Ivika Djicikr, <b>Tanovic</b> racconta i giorni che hanno preceduto
lo scoppio della guerra fratricida che ha diviso la mai del tutto unita
Jugoslavia: il mondo a cui il protagonista Divko fa ritorno è un limbo di
libertà e opportunità che vive della propria fragilità. È già una terra di
nessuno, la stessa che <b>Tanovic</b> aveva individuato nel suo film più famoso, un
far west dove il più prepotente e il più ricco, dopo anni di vessazioni da
altri prepotenti, può fare fortuna sulle spalle degli altri. </span><span style="font-family: inherit;"><br />E come sempre in casi
come questi, cioè di film politici con una sfondo di dramma familiare, la
dimensione privata dei personaggi coinvolge quella pubblica, con la storia
individuale che anticipa o riflette le dinamiche della Storia con la maiuscola:
nel rapporto tra Divko e la moglie si riflette la lotta disumana fra popoli che
ha insanguinato per decenni i Balcani; nel mancato rapporto tra l’uomo e il
figlio ventenne il tradimento di una generazione nei confronti di quella
successiva; nella relazione tra i giovani Lucija e Martin il segno di una
modernità che il vecchio schema della guerra non potrà fermare.</span><span style="font-family: inherit;"><br />Con la voglia di capire,
non di perdonare o attaccare, tipica di questi anni, <b>Tanovic</b> cerca con </span><span style="font-family: inherit;"><b>Cirkus Columbia</b></span><i style="font-family: inherit;"> </i><span style="font-family: inherit;">di fare i conti con la
storia della propria terra, senza cercare responsabili o colpevoli. Gira così
un film malinconico e dolente, una storia familiare dalla struttura
tradizionale che cerca però di abbracciare con lo sguardo più personaggi
possibili, dagli ex comunisti ridotti in miseria ai nuovi ricchi desiderosi di
rivalsa, dagli uomini e dalle donne consapevoli dell’esito delle proprie scelte
ai fanatici o agli approfittatori incapaci di opporsi alla china degli eventi.
Ciò che emerge è un affresco vivo e brulicante di volti e caratteri, una
giostra per l’appunto, come suggeriscono il titolo e l’ultima scena del film,
su cui è ancora possibile divertirsi, consapevoli però di vivere a stretto
contatto con la morte.</span>Associazione Culturale Il Nucleohttp://www.blogger.com/profile/02754587187290999833noreply@blogger.com0